Романтики великой страны

Автор — Светлана Игнатенко, искусствовед

В канун Нового года в Башкирском государственном художественном музее им. М. В. Нестерова открылась масштабная выставка «Романтики великой страны».

Выставка представляет произведения живописи и скульптуры 1950‑х — 1990‑х годов, созданные известными и выдающимися художниками СССР, в состав которого в качестве союзных республик входили РСФСР, Украина, Армения, Азербайджан, Грузия, Молдавия, Латвия, Литва, Эстония. Получив блестящее образование в крупнейших художественных вузах страны, художники этих республик, так же как москвичи и ленинградцы, оренбуржцы, казанцы и уфимцы, стали яркими представителя национальных школ изобразительного искусства, имевших свои собственные неповторимые особенности. Их неповторимость была продиктована художественным мироощущением народа и синтезировала традиции и эксперимент. Под традициями понимаются многовековые пласты национальной культуры, мифология и фольклор в том числе, под экспериментом — стремление к обновлению художественного языка авторскими новациями, основанными на творческом претворении достижений искусства предшествующих эпох. Но общий эмоциональный контекст выставки единый: это лирико-романтическое восприятие действительности и вера в светлое грядущее. Яркость художественной концепции каждого поколения советского искусства второй половины ХХ века была настолько мощной и чёткой, что каждое из них получило определение, соответствующее тому или другому десятилетию: «шестидесятники» (то есть представители «сурового стиля»), «семидесятники» (художники-интеллектуалы), «восьмидесятники» (художники «новой эмоции»). В 1970‑е — 1980‑е годы была велика и сила художественного андеграунда (или нонконформизма), выступившего непримиримым противником искусства социалистического реализма. Многие мастера, входившие в этот уникальный творческий «отряд», покинули в разные годы СССР.
Подлинным событием выставки стали произведения таких выдающихся мастеров, как живописцы Татьяна Яблонская, Пётр Оссовский, Игорь Попов, Алексей и Сергей Ткачёвы, Андрей Тутунов, Ефрем Зверьков, Клара Власова, Михаил Иванов, Эдуард Браговский, Дмитрий Мочальский, Леонид Кабачек, Анатолий Никич-Криличевский, Андрей Дюков, Виктор Тюленев, Николай Пластов, Татьяна Иванова, Эльбек Рзакулиев, Мариам Асламазян, Лавиния Бажбеук-Меликян, Жак Ихмальян, Михаил Горбань, Улдис Земзарис, Франческа Кирке, Даце Лиела, Хейтти Полли, Сильвестрас Джяукштас, Борис Домашников, Николай Ерышев, Виктор Ни, Юрий Рысухин, скульпторы Андрей Марц, Михаил Переяславец, Геннадий Бессарабский, Александр Игнатьев, Кадим Замитов, Ираида Маркелова, Яков Купреянов, Лев Матюшин, Александр Белашов, Галина Левицкая, Владимир Лобанов.
Все произведения поступили в музей в 2020 году из фондов Государственного музейно-выставочного центра «РОСИЗО» по приказу Министерства культуры России. Ставшие собственностью музея в год его 100‑летия, они экспонируются в рамках проекта «Открытые фонды», посвящённого этому историческому юбилею.
Живопись и скульптура художников РСФСР составили в экспозиции выставки самый внушительный раздел — как с точки зрения количественного состава, так и с точки зрения ретроспективы. Самыми ранними по времени создания стали произведения живописцев и графиков Дмитрия Константиновича Мочальского, Леонида Васильевича Кабачека и Анатолия Юрьевича Никич-Криличевского.
Дмитрий Мочальский и Леонид Кабачек — признанные классики искусства социалистического реализма, но не избежавшие влияния «сурового стиля», Анатолий Никич-Крилический — яркий представитель «сурового стиля». Кабачек и Никич-Криличевский — участники Великой Отечественной войны.
Народный художник СССР и РСФСР, лауреат Государственной премии РСФСР им. И. Е. Репина, академик Академии художеств СССР, профессор кафедры живописи, руководитель персональной мастерской Московского государственного художественного института им. В. И. Сурикова, секретарь правления Союза художников СССР, первый беспартийный председатель правления Московской организации Союза художников РСФСР Дмитрий Мочальский (1908–1988) представлен картинами из знаменитого «целинного цикла».
В стремлении запечатлеть эпоху правдиво, искренне веря в социальные и духовные идеалы советской страны, Мочальский отправлялся туда, где разворачивались самые важные события. В годы Отечественной войны и в послевоенные годы стал автором серии картин, посвящённых советским солдатам и партизанам. С 1954 года работал над циклом лирических жанровых композиций, посвящённых труду и быту советской молодёжи на целинных землях. Цикл получил название «Люди целинных земель».
Сама жизнь подсказала художнику большую тему, захватившую его целиком и как нельзя лучше соответствующую характеру его таланта, — тему освоения целинных земель. На целину в Казахстан Мочальский впервые приехал в июле 1954 года, вслед за первыми поселенцами. Попав случайно на попутной машине в зерносовхоз «Целинный» Кокчетавской области Рузаевского района, остался там работать творчески. «Жизнь была как на ладони. Люди, характеры, помыслы и дела — всё на виду», — вспоминал художник. Совхоз «Целинный» тогда только ещё строился, раскинувшись по берегу извилистой степной реки Ишим, поэтому новосёлы временно жили в палатках — жили единым и дружным коллективом. Быт целинников, в разных ситуациях которого, по мнению Мочальского, наиболее ярко раскрывались человеческие характеры, привлекал его особо. Он напоминал ему быт прифронтовой полосы: это было и испытание, и романтика больших светлых надежд. Картина «Первые палатки на Ишиме», созданная в год первого приезда Мочальского на целину, стала одним из первых произведений цикла. Сюжет картины — палаточный посёлок, раскинувшийся в степи. Он больше похож на табор, и в нём как в таборе в жаркие летние дни люди жили непосредственно на улице.
Приезжая на целину в течение нескольких лет и став за эти годы большим другом целинников, Мочальский создал цикл, наполненный и романтикой трудовых буден, и тем правдивым, без ложного пафоса и «лакировки», материалом, который вошёл в золотой фонд советской живописи. Одним из последних произведений «целинного цикла» стала картина «Разбуженная степь. Казахстан»: несмотря на то, что её сюжет — обычный быт целинников, художник как будто подвёл этим произведением живописный итог того трудового подвига, который совершили его современники, подвига, которым он гордился и восхищался. Именно поэтому Дмитрий Константинович Мочальский остался в памяти зрителей как один из самых ярких и честных романтиков искусства соцреализма — и 1950‑х годов, и периода «оттепели».
Картина «Тень», созданная Мочальским за два года до ухода (он умер на рабочем месте в Суриковском институте, отдав педагогической деятельности 51 год), звучит почти авангардно, тем более на фоне его известных реалистических произведений. Сюжет картины прост, но где же главное — где тень? Не стремясь получить ответ на вопрос и понимая, что перед нами произведение метафорического звучания, можно только констатировать его уникальный характер: картина «Тень» — яркое свидетельство художественных поисков уже зрелого мастера, не прекращавшего работать до последнего часа своей жизни.
В формировании образно-тематической линии искусства Леонида Василь­евича Кабачека (1924–2002), ставшего впоследствии заслуженным художником РСФСР, профессором, заведующим кафед­рой живописи художественно-графического факультета Ленинградского государственного педагогического университета им. А. И. Герцена, большую роль сыграла учёба в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина. Кабачек — ученик выдающегося представителя искусства соцреализма, народного художника СССР, лауреата Сталинских премий, академика Б. В. Иоган­сона (1893–1973), автора всемирно известных полотен «Допрос коммунистов» и «Выступление В. И. Ленина на III съезде комсомола». И вслед за учителем он сделал главной темой своего искусства образы советских людей-созидателей, героев труда, историю и пейзажи Родины. Важнейшую роль сыграла и концепция «сурового стиля», яркий чему пример — широко известный портрет «Балбу Каракетова». Крупноформатный, вытянутый по вертикали с целью достижения особой репрезентативности образа, написанный широким пастозным мазком, декоративный по колористическому решению, этот порт­рет представляет достоверный, лишённый всякой идеализации образ женщины-труженицы великой страны, победившей фашизм. Его героиня — свекловод колхоза «Холодный родник» Ставропольского края Балбу Каракетова. Но при всей конк­ретике и достоверности созданного художником образа, он, этот образ, обладает ещё и необходимыми чертами типизации и обобщения, трансформирующими портрет в картину на тему созидательного труда советских людей.
К концу 1960‑х годов особое значения приобретает творчество Анатолия Никича-Криличевского (1918–1994), впоследствии — заслуженного художника России. Уже при жизни его называли выдающимся художником, современным классиком, одной из ярких фигур «сурового стиля». Этим высоким «званиям» не в малой степени способствовала самая известная картина Никича 1960‑х годов — «Военные корреспонденты». Созданная в 1965 году, она, как и все его тематические композиции этого и последующего десятилетия, отличается характерными чертами «сурового стиля» — сдержанностью колорита, чёткостью композиции, лаконизмом и монументальностью образов. В результате, тема подвига, основываясь на конкретных событиях войны, звучит в произведениях Никича символически. Тем же символизмом отличается и его натюрмортное творчество. Один из убедительных тому примеров — картина 1968 года «Натюрморт “Итальянские города”». А вместе с «Итальянскими городами» — практически «натюрмортная» картина «Музыка в мастерской Думаняна». Созданная через 15 лет после «Итальянских городов», она изображает ситуацию в мастерской известного советского скульптора, народного художника РФ, члена-корреспондента Российской академии художеств Виктора Хачатурович Думаняна (1926–2004). С другой стороны, эти произведения входят в авторскую концепцию «Мир в мастерской художника», согласно которой, вся жизнь, весь смысл бытия сосредоточены внутри мастерской. Так возник цикл натюрмортов и «натюрмортных» картин Никича, получивший название «В мастерской». В него вошли большие и малые натюрморты, в пространство которых он «втягивает весь остальной мир» — репродукции любимых картин и собственную графику, цветы и ткани, чашки и рабочие инструменты, подрамники, иконы, драпировки… Все натюрморты цикла написаны в мастерской. Модели позируют тут же, и Никич не скрывает, а подчёркивает этот факт, утверждая им право на собственное пространство, где царь и бог только он — художник, ведь мастерская — это и место творчества, и его свидетель, и предмет самого творчества. Поэтому он пишет обнажённую натуру не в специально смоделированном для позирования пространстве, а на фоне рам и незакрашенных холстов. Цикл «В мастерской» позволил Никичу отказаться от актуальных тем современности и поделиться своим личным. Он позволил сосредоточиться на экспериментах и сформировать собственный стиль, развивавшийся после 1960‑х годов в стороне от основных «магистралей» советского искусства.
1950‑е — 1960‑е годы — период творческого расцвета ещё одного известного московского живописца Алексея Михайловича Ратникова (1926–1984). Заслуженный художник РСФСР, кавалер ордена Трудового Красного Знамени, Ратников, помимо творчества, занимался большой общественной работой. В 1955–1968 годах был членом правления Московской организации Союза художников РСФСР (МОСХ), председателем живописной секции МОСХа и членом правления Московского областного художественного фонда. В 1968–1971 — председателем правления МОСХа, членом правлений Союзов художников СССР и РСФСР. В 1976–1980 вновь — членом правления МОСХа, председателем выставочной комиссии, членом ревизионной комиссии Союза художников СССР. В 1963–1965 годах — депутатом горсовета г. Ногинска, в 1967–1969 — депутатом Московского областного исполкома.
Вошёл в историю советского искусства как один из ведущих пейзажистов и жанристов второй половины ХХ века. Тонкий знаток природы, Ратников развивал лучшие традиции русской пейзажной живописи.
Его многочисленные поездки в 1950‑х годах в Сибирь, на целину, Урал и Алтай дали богатейший материал и мощнейший толчок для творчества. Поездки в 1960‑х годах в Узбекистан выразились в создании ряда полотен, посвящённых древним городам этой красивейшей республики. Если жанровым полотнам художника присущи проникновенный лиризм, тонкая наблюдательность и мягкий юмор, то пейзажи при том же лиризме образа отличаются разнообразием колористических решений, ставших, в свою очередь, отражением своеобразия того или другого мотива природы или архитектуры. Так, в пейзаже-картине «Бухара. Чор-Минор», написанном в 1968 году, художник создаёт одновременно величественный и проникновенный образ древнего памятника культуры узбекского народа. Чор-Минор (в переводе с узбекского — четыре минарета) — это известное медресе, построенное в эпоху правления узбекского правителя Хайдара (1800–1826) в историческом центре Бухары, в столице Бухарского эмирата. Игравшее роль высшего учебного заведения с богатейшей библиотекой, оно одновременно считалось одним из суфистских центров Бухары. Функционировало вплоть до Советской власти, после чего подверглось практическому разрушению. Сохранились только четыре знаменитых минарета, впоследствии неоднократно реставрировавшиеся: первый раз — в 1968 году, затем — в 1980‑е — 1990‑е. Удивительный факт: пейзаж «Чор-Минор» написан Ратниковым в год первой реставрации и передаёт всю красоту этого уникального памятника восточной архитектуры. Откровенно яркая, декоративная живопись с мощными вспышками жёлтого цвета и синевой бездонного неба звучат и символом вечности, и символом торжества жизни, символом созидающего таланта человека.
Скульптура 1950‑х — 1960‑х годов представлена на выставке произведениями выдающегося московского скульптора и графика, заслуженного художника РФ Ираиды Васильевны Маркеловой (1925–2006).
На открытии выставки графики Маркеловой в Московском государственном музее «Дом Бурганова», экспонировавшейся в 2005 году в рамках программы «Шедевры европейского рисунка» и приуроченной к 80‑летию со дня её рождения, известный российский скульптор, народный художник РСФСР, академик Российской академии художеств, доктор искусствоведения, профессор Александр Николаевич Бурганов сказал: «Маркелова — великий художник, её гений не может оставить равнодушным». Это было сказано о графике Маркеловой, но таких же восторженных слов заслуживает и её скульптура.
Ираида Васильевна всегда называла себя ученицей Сергея Тимофеевича Конёнкова (1874–1971) — выдающегося русского, советского скульптора, народного художника СССР, академика Академии художеств СССР, удостоенного ещё до революции титула «Русский Роден». И это не случайно: Маркелова работала в жанрах портрета и фигуративной композиции и воплотила в них всё лучшее, что было в творчестве её учителя — внимательнейшую разработку образа портретируемого, профессиональное владение скульптурным материалом, пластическую красоту линии, объёма и силуэта. Так, представленный в экспозиции выставки «Портрет маршала М. Е. Катукова», созданный в 1969 году, поражает силой воли, внутренней мощью, уверенностью в любом праведном действии. Михаил Ефремович Катуков (1900–1976) был выдающимся советским военачальником, участником Октябрьской революции, Гражданской войны и Великой Отечественной, маршалом бронетанковых войск, дважды Героем Советского Союза, удостоенным этих наград (что особенно важно!) в период Великой Отечественной войны. Именно ему принадлежит честь первой крупной победы советских автобронетанковых войск в октяб­ре 1941 года под Мценском над 3‑й и 4‑й танковыми дивизиями, входившими во вторую танковую армию Гудериана, родоначальника танкостроения в Германии. В результате этого поражения фашистские захватчики были не просто вынуждены отказаться от планируемого ими мгновенного наступления на Тулу: Тула так и не была взята ими.
(Продолжение следует)