Романтики великой страны

Автор — Светлана Игнатенко, искусствовед

Продолжение. Начало в № 1 (2022)

Наряду с жанром портрета, Маркелова1 много работала в фигуративных композициях. Отдельная часть этой области её творчества — женские образы. Это уникальные произведения! Выполненные как в керамических материалах, так и в чисто скульптурных, они уносят зрителя в мир сказаний и грёз. Прекрасные царевны в роскошных кокошниках и с гордой осанкой звучат напоминанием о прекрасном прошлом. Экзотические девушки с кувшинами на голове, с веерами, с задумчивым взглядом, «плывущие» в экзотическом танце и демонстрирующие пластикой своего тела неповторимую красоту, становятся то воплощением мечты, то только сном о прекрасном. Визуально притягательные, они пластически относятся, скорее, к эпохе модерна, к скульптурным образам Врубеля, но образно символизируют красоту как таковую — вне зависимости от времени и эпох. Такова и покоряющая красотой бронзовая скульптура «Индийская танцовщица», представленная на выставке. Дополнительную уникальность ей придаёт и факт, что она создана в 1955 году, то есть в ранний период творчества Маркеловой, имевший для её дальнейшего искусства наиважнейшее значение.
Раздел скульптуры 1980‑х годов, тематическим «мостиком» к которым стали произведения Маркеловой с основополагающими для советского искусства тех лет темами Великой Отечественной войны и женщины, представлен произведениями других известных мастеров. Это активно работавшие в теме Великой Отечественной войны Александр Игнатьев и Михаил Переяславец. Игнатьев — участник Великой Отечественной войны, Переяславец родился через четыре года после Победы, но внёс в тему героики войны весомую лепту. Жизнь и творчество обоих заслуживают особого внимания.
Ленинградец, заслуженный художник РСФСР Александр Михайлович Игнатьев (1912–1998) работал в станковой и монументальной скульптуре, и, помимо творчества, занимался педагогической и общественной работой. В 1946–1948 годах был аспирантом-преподавателем Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина. С 1957 года — делегатом всех съездов Союзов художников СССР и РСФСР, членом правлений Союза художников РСФСР и Ленинградской организации Союза художников РСФСР, возглавляя секцию скульптуры. С этих же лет являлся членом художественного совета Главного управления культуры Ленинградского горисполкома и Главного архитектурно-планировочного управления.
Вся жизнь Игнатьева полна неординарных событий. Он родился в семье конструктора-кораблестроителя на Украине, в Николаеве. Окончил ФЗУ, в 1930–1933 годах работал краснодеревщиком на Николаевском судостроительном заводе им. 61 коммунара. В 1932 году поступил на вечернее отделение Николаевского художественного техникума, в 1933‑м перевёлся на дневное отделение, учился у скульптора К. С. Рыжова, что стало свое­образной точкой отсчёта и в его судьбе, и в верности скульптуре. О Рыжове скажем особо. Казимир Станиславович Рыжов (1897–?) — уроженец г. Колпино, расположенного недалеко от Петербурга. после окончания Петроградского художественно-промышленного техникума, в котором он получил азы изобразительного искусства, учился на скульптурном факультете академии художеств. Его педагогом стал выдающийся скульптор Александр Терентьевич Матвеев (1878–1960). После окончания Академии, с начала 1930‑х годов Рыжов работал на знаменитом Ленинградском (бывшем Императорском) фарфоровом заводе, затем был художественным руководителем не менее знаменитого керамического завода в городе Гжель Московской области. Исключительный талант скульптора и керамиста позволил ему участвовать в престижных профессиональных выставках. Хранящиеся в музее Санкт-Петербургского фарфорового завода (бывшего ЛФЗ) 15 скульптур-статуэток Рыжова и его произведения во Всероссийском музее декоративно-прикладного искусства и в Государственном музее керамики «Кусково» в Москве — яркие свидетельства этого таланта и мастерства. Все они демонстрируют, что главной темой Рыжова был человек, а главными жанрами — сюжетная композиция и портрет. Среди выполненных им в 1936–1938 годах произведений — знаменитые и широко тиражированные статуэтки «Испанская женщина с ребёнком», «Матрос с биноклем», «Испанский художник», «Чапаев верхом на коне». Так, ставший для Игнатьева основополагающим интерес к личности человека и к жанру портрета был воспитан в нём сначала Рыжовым, учеником Матвеева, а затем — самим Матвеевым.
В 1934 году Игнатьев был призван в Рабоче-крестьянскую Красную армию, служил телефонистом отдельного батальона связи в Николаеве, но не оставлял творчество. Уже на 1‑й Красноармейской выставке его произведения были замечены известным советским скульптором Л. В. Шервудом (1871–1954), которому особенно понравилась скульптура «Радист». Оценив неординарный талант Игнатьева, Шервуд способствовал его отзыву из армии и направлению на учёбу в Киевский художественный институт, где на скульптурном факультете Игнатьев учился в 1936–1938 годах. В 1938 году перевёлся на IV курс Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина и уже через год и вплоть до окончания института в 1946 году занимался в мастерской великого Матвеева, став впоследствии ярким представителем знаменитой матвеевской скульптурной школы. Игнатьев был настолько предан Матвееву, что когда Матвеева уволили из института, он вслед за ним покинул аспирантуру и преподавательскую должность, несмотря на предлагаемый ему институтским руководством карьерный рост. С этого времени Игнатьев стал активным участником многочисленных работ по созданию монументальных памятников в Ленинграде и Варшаве. Одни из наиболее известных и любимых зрителями произведений — надгробие Анне Ахматовой на Комаровском кладбище, выполненное по просьбе Л. Н. Гумилёва, и надгробие самому Гумилёву на Лазаревском кладбище Александро-Невской Лавры в Петербурге, которое в настоящее время, к сожалению, заменено на гранитное с полным искажением авторского замысла. Персональные выставки Игнатьева неоднократно экспонировались в Москве и Ленинграде, в том числе в 1974, 1984 и 1997 годах — в Государственном Русском музее, что стало официальным признанием его таланта.
Представленный на выставке «Портрет хирурга Ряжкина» исполнен Игнатьевым в один из самых удачных для него творческих периодов — в 1970‑е годы. Герой портрета — известный врач, профессор кафедры общей хирургии Ленинградской военно-медицинской академии им. С. М. Кирова Георгий Александрович Ряжкин (1921–1998). На фронт Ряжкин был призван в звании гвардии капитана медслужбы ещё в августе 1939 года. На фронте был постоянно на передовой, спасая жизни тысяч советских воинов. За мужество награждён двумя орденами Красной звезды (1945, 1954) и медалями «За боевые заслуги» (1944, 1950). В «Портрете хирурга Ряжкина» Игнатьевым создан образ целеустремлённого, волевого, бесстрашного человека, настоящего патриота Родины. Поражает внутреннее достоинство портретируемого и благородная мужественность его лица. При этом отметим, что личность Ряжкина была настолько притягательной для художников, что нашла воп­лощение не только в скульптуре, но и в живописи. В 1970 году его портрет исполнил заслуженный художник РСФСР, участник Великой Отечественной войны, ученик выдающегося советского живописца Б. В. Иогансона (1893–1973) Олег Леонидович Ломакин (1924–2010). В 1988 году этот портрет был подарен автором Музейному центру «Палаты» во Владимире, где ныне и хранится.
Народный художник России, академик Российской академии художеств Михаил Владимирович Переяславец (1949–2020) также вошёл в историю советской, российской скульптуры не только как выдающийся скульптор-станковист и монументалист, но и как известный педагог. На протяжении многих лет он в должности профессора руководил скульптурной мастерской в Московском государственном академическом художественном институте им. В. И. Сурикова. Другая значительная страница его творчества — это путь, пройденный в качестве художника Студии военных художников им. М. Б. Грекова: начиная с 1976 года, Переяславец посвятил этой важнейшей работе всю жизнь, став в 2008–2009 годах художественным руководителем Студии. В этом смысле он — верный продолжатель дела своего отца — известного советского, российского живописца, народного художника РСФСР, академика Российской академии художеств, подполковника в отставке, художника Студии военных художников им. М. Б. Грекова Владимира Ивановича Переяславца (1918–2018), прошедшего выдающийся путь на земле длиною в 100 лет.
Главные темы творчества Михаила Переяславца — Великая Отечественная война и Первая империалистическая, портреты героев прошлых эпох и современников‑победителей. Они реализовались в многочисленных станковых и монументальных произведениях — в жанровых композициях, бюстах и памятниках, установленных во многих городах страны и за рубежом: в Москве и Московской области, Санкт-Петербурге, Иркутске, Новосибирске, Севастополе, Тобольске, в немецком городе Цербсте. И в каждом произведении — внимательнейшее вхождение во внутренний мир портретируемого, выявление в его облике и образе самых главных, специфических черт характера. Официальным признанием таланта Переяславца стали высокие награды — звания лауреата Государственной премии РСФСР им. И. Е. Репина, премии Ленинского комсомола, Государственной премии РФ им. маршала Советского Союза Г. К. Жукова, орден «Знак Почёта».
Будучи эстетом, Переяславец синтезировал в своей стилистической манере классические традиции русской скульптуры и собственную харизму, выработав индивидуальный, легко узнаваемый почерк. Наиболее убедительным и ярким примером этого синтеза стал представленный на выставке бронзовый бюст «Участник Великой Отечественной войны С. Клименко. Потомок А. С. Пушкина», созданный, скорее всего, в 1970‑е годы — в одни из самых плодотворных в творчестве Переяславца. Виртуозное владение материалом (в данном случае — бронзой) и аргументированная доля «иллюстративности», выразившаяся в стремление продемонстрировать все особенности облика героя, создают абсолютный эффект произведения русской скульптуры ХIХ века, наиболее соответствующий заявленной теме.
Линию женских образов, наполненных, как правило, особым лиризмом и проникновенностью, продолжают произведения Германа Алесова и Геннадия Бессарабского. Это «Женский портрет» Алесова и «Баскетболистки» Бессарабского. Самое прямое отношение к ним имеет, если учесть, что женская тема всегда связана с темой материнства, детства и юношества, и порт­рет Льва Матюшина «Валерик». Все произведения созданы в 1970‑е годы и с точки зрения образного решения стоят в некоторой степени чуть «поодаль» от генеральной линии развития советской скульптуры этого десятилетия: имеется в виду откровенно лирический и камерный характер всех трёх образов, далёкий от героических прототипов строителей социализма.
О ленинградском скульпторе Германе Михайловиче Алесове (1936–2010) известно, к сожалению, мало. В годы Отечественной войны он в возрасте пяти–восьми лет пережил блокаду Ленинграда. Будучи коренным ленинградцем, специальное образование получил, скорее всего, на факультете скульптуры Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина. Стал членом Союза художников СССР. Работал, в основном, как станковист. Любимые материалы — металл и дерево. Любимый жанр — портрет современника. Одни из характерных пластических особенностей — красота формообразующей линии, обобщённость формы, выразительность силуэта. В вопросе трактовки образа — создание портрета-типа. Именно таков «Женский портрет», созданный Алесовым в технике медной выколотки. Пластически обобщённый, он в такой же мере сдержан по образному звучанию. И хотя в основе образа лежит конкретный прототип, перед нами — любимый Алесовым типизированный образ современницы, раскрывающий главные черты русской женщины — скромность, сдержанность, духовную значительность, нравственную красоту.
Участник Великой Отечественной войны, член Союза художников СССР, выпускник Московского государственного художественного института им. В. И. Сурикова Геннадий Петрович Бессарабский (1926–1991) работал в станковой и монументальной скульптуре. Одними из любимых его жанров были портрет и тематическая композиция, а главными духовными ориентирами — искусство выдающегося скульптора А. Т. Матвеева, греческая классика и древнерусская резьба по камню и дереву. Окончивший Суриковский институт в 1951 году и ставший выпускником первого послевоенного набора, Бессарабский вошёл в искусство советской скульптуры композициями «За мир» (1953–1954), «Материнство» (1955), «Песня» (1957), трактованными, с одной стороны, в духе официальной стилистики советского искусства 1950‑х годов, с другой — отмеченными искренностью и лиризмом образов. Эти же качества проявились и в созданных Бессарабским в эти и в последующие годы порт­ретах — М. А. Булгакова, А. Ф. Лосева, И. П. Павлова. Но лучшим и самым известным его произведением стал памятник великому русскому писателю И. С. Тургеневу в Орле. Открытый в 1968 году, он и сегодня — одно из главных украшений этого старинного русского города. Другое известное произведение Бессарабского на эту же тему и установленное в том же городе — бюст Тургеневу в одном из любимых орловцами городских скверах — в сквере «Дворянское гнездо». Все эти произведения в полной мере раскрывают особенности его творческой манеры, выразившиеся в синтезе пластической гармонии и внутреннего драматизма. Отметим и другой важный факт: бюст И. С. Тургеневу создан в 1971 году, то есть в один и тот же год с жанровой композицией «Баскетболистки», представленной на выставке. Следовательно, 1960‑е — 1970‑е годы стали одними из самых плодотворных в творчестве Бессарабского. Что же касается скульптуры «Баскетболистки», то в ней открывается ещё одна грань его творческого дарования — пластическая гипербола. Она продиктована, с одной стороны, всё тем же синтезом пластической гармонии и внутреннего драматизма, с другой — самой темой: имеются в виду реальный рост баскетболисток и особенности игры, предполагающие как контактные ситуации, так и пространственные «лакуны». Эти фактические характеристики позволили художнику создать композицию, преувеличенно развитую и по вертикали, и по горизонтали. Отметим и решение плинта: его необычная форма становится завершающим акцентом образной гиперболизации.
Народный художник России, член-корреспондент Российской академии художеств Лев Николаевич Матюшин — признанный классик школы московской скульптуры. Сегодня ему почти 90, и в его творческом активе — многие десятилетия активной работы в монументальной и станковой скульптуре, в жанрах портрета и сюжетной композиции. А ещё — большая общественная работа и преподавательская деятельность: в 2006 году Матюшин был членом комиссии по монументально-декоративному искусству при Московской городской Думе, в 1960–1963 — преподавателем скульптуры в Абрамцевском художественном училище, в 1993–2003 — доцентом кафедры монументального искусства Всероссийской академии живописи, ваяния и зодчества.
Самыми плодотворными в творчестве Матюшина стали 1960‑е — 1990‑е годы. Они ознаменовались мемориальными ансамблями, посвящёнными героям Великой Отечественной войны, установленными в Москве, Подольске, городах Узбекистана. В 1996 году Матюшин участвовал в воссоздании художественного убранства храма Христа Спасителя в Москве, став автором фигуры Феодосия Печерского (около 1008/1036–1074) — православного монаха ХI века, одного из основателей и игуменов Киево‑Печерского монастыря, почитаемого в лике преподобных, и чьим именем названы Дальние пещеры Киево‑Печерской лавры и источник на её территории. В эти же годы Матюшин создал портреты выдающихся учёных, актёров, писателей, коллег-скульпторов, спортсменов. Среди них — портреты С. В. Рахманинова, Н. И. Вавилова, В. М. Дронова, О. К. Комова, А. Т. Твардовского. И в каждом из них он руководствовался принципом самого внимательнейшего отношения к отображению внутреннего мира портретируемого, к передаче его характера. Важнейшими критериями его пластической манеры стали уравновешенность композиции, гармония и внутренний ритм, синтез импрессионистических приёмов и выявление фактуры камня или бронзы. Крупнейший исследователь современной российской скульптуры, член-корреспондент Российской академии художеств Людмила Викторовна Марц о творчестве Матюшина пишет: «… Лев Николаевич Матюшин — один из немногих хранителей и продолжателей традиций живой, развивающейся, классической в своей основе московской школы скульптуры, созданной выдающимися мастерами русской пластики первых десятилетий ХХ века, впитавшей и по-своему переработавшей опыт и новаторские искания современного европейского искусства». Именно в этих традициях решён и лирический портрет «Валерик», созданный, очевидно, в 1970‑е годы и представляющий притягательный мир юности.
(Продолжение следует)