Романтики великой страны

Автор — Светлана Игнатенко, искусствовед

Продолжение. Начало в № 1, 2, 3, 4, 5, 6 (2022)

Изобразительное искусство Оренбурга, отличающееся на протяжении всей своей истории своеобразием, близким неповторимостью творческих концепций искусству Башкортостана, представлено произведениями трёх выдающихся живописцев — Виктора Ни, Николая Ерышева и Юрия Рысухина.
Имя и творчество Виктора Трофимовича Ни (1934–1979) стало для большинства оренбургских художников определяющим: Ни прожил короткую жизнь (только 45 лет), но он с полным правом назван одним из самых оригинальных художников Оренбурга. Даже его уход (Ни скончался во время работы Зональной выставки «Урал социалистический» в 1979 году в Тюмени) и тот факт, что он так и не узнал, что ему практически присвоено звание «Заслуженный художник РСФСР» (сообщение пришло в Тюмень в день его смерти — 6 декабря), стали ещё одними составляющими его портрета. Портрета ни на кого не похожего. Портрета одного из самых талантливых и многообещающих художников Оренбурга второй половины ХХ века.
Родившийся во Владивостоке (фамилия «Ни» — это фамилия отца, по национальности корейца, приехавшего на работу во Владивосток, где впоследствии будущий художник и родился), Виктор Трофимович получил специальное образование сначала в Пензенском художественном училище им. К. А. Савицкого, затем в Московском государственном художественном институте им. В. И. Сурикова. Окончив институт в 1964 году, сразу же приехал в Оренбург, ставший для него по-настоящему родным.
Как свидетельствуют современники и критика, Ни был художником умным, творчески мыслящим, активно ищущим. И в каком бы жанре он ни работал (в пейзаже, портрете или тематической картине), его постоянно волновали вопросы пространства, цвета, среды, рисунка, пластики. Он без устали изучал графическое наследие и мысли об искусстве выдающегося мастера гравюры Владимира Андреевича Фаворского (1886–1964), композиции Поля Сезанна (1839–1906) и Пьеро делла Франческо (1420–1492), теорию золотого сечения. Культ мастерства был краеугольным камнем его искусства, его экспериментов и поисков. Поэтому натурные пейзажи всегда преображены художественным воображением, принцип пластической гиперболы позволял создавать совершенно новые по образному звучанию произведения. Большую роль играл колорит, часто тяготеющий к декоративному. Эмоциональность линеарного ритма подчинялась авторскому замыслу. В результате от натурного пейзажа не оставалось и следа: его заменяло совершенно новое по образному звучанию произведение, балансирующее на грани реального и фантазийного. Именно таков пейзаж «Скалы», экспонирующийся на выставке. Он написан Ни или в одной из поездок по Башкирии, или в любимом им Гурзуфе, хотя географическая конкретизация здесь не имеет никакого значения. Главное — убедительность образа и красота самой живописи. Созданный в 1978 году, то есть за год до ухода художника, пейзаж «Скалы» стал одним из последних в его творчестве, и этот факт придаёт ему дополнительную ценность.
Творческое наследие Николая Павловича Ерышева (1936–2004) занимает в живописи Оренбурга такое же значительное место, как и наследие Ни, с тем лишь отличием, что, помимо живописи, Ерышев сыграл весомую роль в жизни Оренбургского Союза художников. После окончания учёбы в Московском государственном художественном институте им. В. И. Сурикова, он с 1962 года жил и работал в Оренбурге. Его творческая и личностная харизма была настолько мощной, что уже в 1965 году, в год вступления в Союз художников СССР, в возрасте 29 лет он сразу был избран председателем правления Оренбургского отделения Союза художников СССР и возглавлял Оренбургский Союз на протяжении следующих двенадцати лет. Ему доверяли, его уважали, его любили, его мнение было для каждого ценным. Вклад Ерышева в российское искусство был высоко оценён, свидетельства чему — звание «Народный художник РСФСР», премия «Оренбургская лира» и статус Почётного гражданина г. Оренбурга.
Ерышев работал над темами, отображающими судьбу страны и трудовые будни людей Оренбуржья, писал пейзажи, портреты и натюрморты. В сюжетно-тематической картине тяготел к обобщённому, метафорическому видению жизни в её социальном, общественном преломлении и к утверждению высоких нравственных идеалов. Признавался, что для него свойственна спокойная, но внутренне напряжённая композиция и лиризм образов. Опираясь на классические образцы реалистического искусства, будучи учеником всемирно известных живописцев Александра Александровича Дейнеки (1899–1969) и Дмитрия Дмитриевича Жилинского (1927–2015) (он учился у них в Суриковском институте), Ерышев сделал сильнейшей стороной своей живописи строгий рисунок, выверенную композицию, пластическую гибкость линии и тонкий, в основном, тональный колорит, передающий оттенки сложных настроений. В 1980‑е годы создал ярко выраженные лирические образы и образы, отображающие его глубокие философские размышления о жизни и человеке. Одним из любимых мотивов в натюрмортах, композиционно тяготеющих к предпочитаемому им жанру тематической картины, стали яблоки. Свои первые и самые известные «Яблоки» он написал в 1974 году, в 1981‑м появились «Поздние яблоки», представленные на выставке. Оба произведения отчётливо демонстрируют художественные достоинства живописной манеры Ерышева и входят в ряд его произведений, посвящённых размышлениям о себе, своём детстве, о стране, этапах её становления, о мире в целом. Тонкая живопись, построенная на нюансах мягких, сдержанных тонов, предельная пластичность формообразующей линии, чёткость композиционного построения создают пронзительно ностальгический образ метафорического, философского звучания.
Творчество Юрия Алексеевича Рысухина, отмечающего в этом году своё 75‑летие, представлено на выставке одним из наиболее оригинальных и одновременно типичных для его творческой концепции произведений — картиной «Лето», выполненной темперой по левкасу — в технике, уходящей своими корнями в древнерусскую иконопись. Картина написана в 1986 году, ставшем для 40‑летнего Рысухина одним из важнейших в творчестве: 80‑ми годами ознаменовано начало его зрелого периода, с которым связаны лучшие произведения. Пройдет ещё десять лет, и Рысухин будет награждён премией «Оренбургская лира», затем станет лауреатом этой премии ещё дважды, между первой и второй премиями удостоится звания «Заслуженный художник РФ», а ещё до картины «Лето», в 1980–1983 годах, возглавит правление Оренбургского отделения Союза художников СССР.
Судьбу Юрия Рысухина кардинально изменила картина Виктора Ни «Возвращение с поля». Он увидел её, будучи студентом Краснодарского художественного училища. Это было в конце 1960‑х годов. Затем узнал, что Ни живёт в Оренбурге, и принял решение ехать в Оренбург. Но до его приезда в Оренбург было ещё несколько лет: служба в армии и работа художником в Краснодаре. В Оренбург Рысухин приехал только в 1974 году и сразу начал активно работать творчески. Он с удовольствием признаётся, что его творческая деятельность началась именно в этом городе. Здесь он стал близким другом и сподвижником Ни, которого считает своим учителем в искусстве.
О своём творчестве Юрий Алексеевич пишет: «Как художнику мне ближе всего картина и портрет. На мой взгляд, в них удаётся сказать нечто большее, чем в пейзаже и натюрморте, хотя и то, и другое часто присутствует в моих работах. Люблю изображать близких мне людей. Однако портретом не ограничиваюсь. Мне интересно писать и картину, и цикл картин о больших человеческих страстях или людях, которые мне близки и дороги…», «Меня очень вдохновляет русская природа. Но я довольно тихий славянофил — не буйствую, не бью себя в грудь, не рву на себе рубаху, а мирно делаю своё дело — пишу наших прекрасных женщин, нашу землю, наши традиции».
Юрий Рысухин воспевает Россию в особой художественной манере, убедительный чему пример — картина «Лето». Обращаясь к наследию мирового искусства, соединяя традиции и современность, он создаёт уникальный образ мира. Основные истоки его вдохновения — икона, народное творчество, искусство позднего Средневековья и раннего Ренессанса. Он пишет темперными красками по дереву, грунтованному левкасом. Этот опыт он перенял у выдающегося живописца Дмитрия Жилинского, которого считает своим вторым наставником. Но появление этих традиций в его творчестве не случайно: Рысухин пишет земную жизнь как икону, а русскую деревню наполняет классическими мотивами и при этом сохраняет и эстетику народного искусства. Так, в каждом своём произведении он словно ведёт личный «диалог» с мастерами разных эпох. И, сознательно перепутывая связи времён, создаёт одну большую картину непрестанности человеческого бытия. Именно поэтому его композициям свойственна чёткость, колористической манере — декоративность, идущая от увлечения фольклором, народной росписью, мифологией.
Тот же народный, порой, мифологизированный источник питал на протяжении всего творческого пути выдающегося живописца Татьяну Ниловну Яблонскую (1917–2005). Кажется, достаточно было сказать любому посвящённому, что на выставке «Романтики великой страны» экспонируется пусть небольшое, но произведение Татьяны Яблонской, как можно было поймать его восхищённый и одновременно недоверчивый взгляд. Потому что поверить в это действительно трудно! Татьяна Яблонская, личность и творчество которой — целая эпоха советского и украинского изобразительного искусства, — на выставке в музее! И тем не менее…
Татьяна Ниловна родилась в уникальной семье, все члены которой и последующие поколения связаны с искусством. Отец, Нил Александрович Яблонский (1888–1944), — живописец, график, преподаватель словесности, истории и рисования. Сестра, Елена Ниловна Яблонская (1918–2009), — живописец, график, книжный иллюстратор. Брат, Дмитрий Нилович Яблонский (1921–2001), — доктор архитектуры, профессор, заслуженный архитектор Украины. Оба мужа Татьяны Ниловны и три её дочери и внучка — художники.
Получив признание коллег, критики и официальных властей ещё на заре своего творчества, Яблонская на протяжении всей жизни смело отстаивала право художника на творческую свободу, на свободу самовыражения, резко выступала против «опеки» искусства со стороны партийных органов, в результате чего в конце 1960‑х годов подверглась «опале». К счастью, ненадолго.
Уже в первых своих самостоятельных произведениях (в произведениях 1940‑х годов)  Татьяна Ниловна отдаёт дань чрезвычайно распространённой в те годы жанровой картине. Одновременно пробует силы в пейзаже, активно вводя пейзажные мотивы в картины, сопоставляя жизнь и настроение природы и человека. Художницу волнуют непосредственные наблюдения и впечатления и возможность передать их суть на полотне. Произведением, определившим новый этап её творчества, стало монументальное полотно «Хлеб», созданное в 1949 году. Получившее искренний отклик зрителей и критики, оно прозвучало гимном крестьянскому труду.
В 1960‑е годы — в период «сурового стиля», вызванного к жизни хрущёвской «оттепелью», — Яблонская обращается к народному искусству, вводит в свои произведения фольк­лорные мотивы. Эти произведения отличаются сочным колоритом, несколько уплощенными фигурами, выразительностью контуров, укрупнённостью форм первого плана. Возвращая профессиональной живописи приёмы, присущие народному искусству, художница как бы призывает вспомнить о народных корнях искусства современного.
Важнейшим этапом в творчестве Яблонской стали 1970‑е годы. Произведения этого десятилетия синтезируют её интерес к той же народной теме, но преломлённой в свете новых формальных и эстетических поисков, и откровенный лиризм образов. Большое место в этот период занимают в её творчестве пейзаж и изображение интерьеров, в которых она стремится передать самоценность каждого предмета изображения. Эта задача требует от неё особого внимания к решению вопросов живописной среды. «Мерцающая» фактура поверхности, выверенность и соотнесённость пространства и предметных или пейзажных форм придают её произведениям 1970‑х годов особую целостность и эффект живописной драгоценности. Одним из лучших произведений этого десятилетия (а на протяжении всего своего творчества Татьяна Ниловна всегда была чутка к требованиям времени) стал пейзаж «Осеннее солнце». Созданный в 1976 году, отличающийся абсолютным тональным благородством, подчёркнутым лёгким эффектом мерцания света и цвета, этот пейзаж действительно похож на живописную драгоценность, а образ поэтичен настолько, что может рассматриваться в одном ряду с пейзажной лирикой выдающихся русских и украинских поэтов.
И как результат многолетней и преданной искусству творческой деятельности — официальные звания и награды Яблонской: народный художник СССР, народный художник Украинской ССР, академик Академии художеств СССР, академик Академии художеств Украины, дважды лауреат Сталинской премии II степени, лауреат Государственной премии СССР, лауреат Национальной премии им. Тараса Шевченко, Герой Украины, почётный гражданин г. Киева, депутат Верховного Совета Украинской ССР, кавалер многих орденов, в том числе Трудового Красного Знамени, Дружбы народов, «За заслуги» II степени. А ещё долгая педагогическая деятельность, которой Татьяна Ниловна отдавалась с той же страстью, что и живописи. 26 лет (с 1947 по 1973 год) профессор Яблонская преподавала в Киевском государственном художественном институте, который окончила сама и который стал сегодня Национальной академией изобразительного искусства и архитектуры. Живя и работая в Киеве, она представляла украинское искусство на всех крупнейших выставках советского искусства в стране и за рубежом и являла собой идеальный образец дружбы двух великих народов, связанных одной историей, одной страной, одной верой, одним искусством.
Те же интернациональные чувства и тот же художественный восторг вызвало экспонирование на выставке произведений ещё одного выдающегося художника — молдавского, советского, российского, израильского живописца Михаила Горбаня.
Михаил Романович Горбань родился в 1956 году на Украине, окончил Кишинёвскую высшую художественную школу и Львовскую академию художеств по специализации «Графика». Уже в 30‑летнем возрасте получил невероятное для столь молодого художника признание: его произведения экспонировались на Международной выставке в Государственном Эрмитаже рядом с картинами Сальвадора Дали (1904–1989), Василия Кандинского (1866–1944), Марка Шагала (1888–1985). В 1988–1990 годах получал гранты от Союза художников СССР, имел художественную мастерскую-студию площадью в 140 кв. м, которую ему выделило Правительство Москвы. Тем не менее, в 1990 году вместе с семьёй эмигрировал в Израиль, где в мастерской в городе Петах-Тиква, расположенном в 10 км от Тель-Авива, продолжает и сегодня активно работать, свидетельством чего являются многочисленные персональные выставки, ежегодно экспонирующиеся, в основном, в США и Японии.
Михаил Горбань, без преувеличения, — уникальный художник: его творческие возможности, кажется, не знают границ. Причём таковым он воспринимался коллегами и критикой сразу — с первых всесоюзных выставок. В его произведениях воплотился и опыт великих мастеров Возрождения, и множество черт, характерных для живописи ХIХ–ХХI веков. Его исключительный изобразительный талант, перешедший, по мнению критики, за пределы реальности, его воображение, обогащённое личным опытом и детскими воспоминаниями о России, открывают перед зрителем бесконечную череду образов, отражающих глубоко личное восприятие и осмысление жизни. Виртуозно владеющий всем арсеналом академической живописи, он создаёт произведения, моделями которых становятся простые люди, дети, музыкальные инструменты, окна, стулья… Горбань — художник, создающий картины, полные индивидуальных, субъективных смыслов. Сам он не случайно утверждает: «Картина является чувственным опытом. Художник может услышать то, что картина хочет». Представленные на выставке картины «Неоконченный портрет Харлампия Морару» и «Старик на качелях» созданы в 1980‑е годы (первая — в 1981 году, вторая — в 1987‑м), когда имя молодого Горбаня уже было в поле пристального внимания критики, зрителей и властей. Эти произведения в полной мере отображают его живописную концепцию и особенности миро­ощущения. И если герой диптиха «Старик на качелях» символизирует детскую чистоту души и веру ребёнка в счастливую будущность и в то же время весь трагизм прожитой долгой жизни, главным испытанием которой стала вой­на (отсюда эта метафора «старик — ребёнок»), то Харлампий Морару — реальный герой. Это известный молдавский писатель, прозаик, публицист, журналист, редактор ряда газет, обладатель почётного звания «Maestru al Literaturii» и ордена «Gloria Muncii», лауреат премии молодёжи Молдовы им. Бориса Главана и премии Союза писателей Молдовы. И даты его жизни всем известны — 1950–2016 годы, — как и известно ещё одно написание его имени — Хараламбие. Вероятно, правильное.
Наконец, трогательный факт: будучи автором экспозиции выставки, я долго думала о том, какую картину можно было бы сделать своеобразным «пригласительным логотипом» выставки «Романтики…» и вынести её на баннер и афишу. В результате вместе с коллегами решила, что такой картиной может быть только «Старик на качелях». Потому что старик — это метафора не только человеческой жизни длиною от детства до старости, но и метафора той прекрасной и, к несчастью, исчезнувшей страны, в которой все мы родились. Страны большой, единой и, как нам казалось, нерушимой. Михаил же Горбань, увидев в Интернете баннер, афишу и фотографии экспозиции выставки был искренне растроган. Как, вероятно, были бы растроганы все те, кто родились, жили и созидали в этой великой стране... все экспоненты выставки.
(Продолжение следует)