Романтики великой страны

Автор — Светлана Игнатенко, искусствовед

Продолжение. Начало в № 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8 (2022)

Эстонский живописец Хейтти Кальевич Полли, родившийся в 1951 году и живущий в Таллине, представлен на выставке двумя самыми характерными для его творчества произведениями — картинами начала 1980‑х годов «Новый город» и «Новый район». Обе — яркие образцы эстонского гиперреализма.
Понятие «гиперреализм» было придумано бразильским арт-дилером Изи Брашо, организовавшим в 1973 году в Брюсселе первую выставку гиперреалистов. Синонимом гиперреализма стал фотореализм, поскольку на заре своего возникновения гиперреализм ассоциировался с творчеством европейских фотореалистов 1970‑х годов и тогда же стал использовать их художественную технику. Уходящая корнями в фотоизображения и их имитации, эта техника была направлена на усиление у зрителя ощущения предельно реальной, то есть гиперреальной реальности и, как правило, современной. С одной стороны, имитация фотографии стала модным стилевым приёмом, позволявшим фотореализму и гиперреализму переиграть требования реализма, предъявляемые искусству социалистических стран. С другой — фотография стала партнёром в диалоге художника со зрителем: она выполняла роль транслятора современного мировосприятия, переплетённого с другими направлениями искусства этого же времени — концептуальным, метафизическим, символистским, постмодернистским.
«Прорыв» гиперреализма в Эстонии произошёл через два года после выставки в Брюсселе — в 1975 году на одной из молодёжных выставок. В течение последующего десятилетия гиперреализм стал в Эстонии исключительно популярным.
Искусство Хейтти Полли, основными жанрами которого стали городской пейзаж и жанровая композиция, — дидактический образец эстонского гиперреализма 1970‑х — 1980‑х годов. Городские пейзажи «Новый город» и «Новый район» созданы на пике интереса эстонских художников к гиперреализму и своей фотографической чёткостью в изображении объекта художественного исследования, синтезированной с такой же чёткой колористической «раскладкой», представляются уникальными образцами эстонского гиперреализма в искусстве СССР.
В отличие от искусства республик советской Прибалтики, ориентированного во многом на новейшие достижения мирового искусства, изобразительное искусство Армении в большей степени традиционно. В его основе — особое чувствование и отображение в живописи цвета, насыщенного колорита. Яркий здесь пример — творчество одной из старейших армянских художниц, народного художника СССР и Армянской ССР, лауреата Международной премии им. Джавахарлала Неру и Международной премии им. Гамаль Абдель Насера Мариам Аршаковны Асламазян (1907–2006). Её талант отличался истинным универсализмом: живописец, график, монументалист, керамист, сценограф. Как общественный деятель Асламазян была членом сразу нескольких творческих Союзов, поскольку работала и в Ереване, и в Москве: это и членство в Союзе художников СССР и в Ленинградском Союзе художников РСФСР, и работа в качестве члена правлений Союза художников Армении и Московской организации Союза художников РСФСР.
Прирождённый колорист, Мариам Асламазян — яркий представитель армянской школы живописи, автор натюрмортов, тематических картин и портретов. Её увлечение натюрмортом связано с послевоенными годами. В композиционном строе и колорите натюрмортов этих и всех последующих лет очевидна прямая связь с натюрмортами великого Мартироса Сарьяна (1880–1972), сыгравшего неоценимую роль в становлении национальной школы армянской живописи. Таков и представленный на выставке натюрморт Асламазян «Моя керамика». созданный в 1988 году, он отличается повышенной декоративностью и композиционной плоскостностью. С другой стороны, уникальность «Моей керамики» заключается и в том, что, если основными мотивами натюрмортов Асламазян 1970‑х — 1980‑х годов были цветы, то здесь — авторская керамика. Будучи художником разносторонних творческих интересов, Мариам Аршаковна в 1958 году открыла для себя керамику и стала автором декоративных блюд, панно, ваз и скульп­тур, отличающихся не просто декоративностью, а живописностью. Особое внимание она уделяла в них экспрессивности цвета и линии. Именно в этом и выражалась суть её авторской программы, основанной на живописно-пластических традициях армянского народного искусства и средневековой армянской миниатюры, которые своей яркостью, красочностью и одновременно плоскостностью были сродни духу её живописи.
Созданный Асламазян в 1985 году портрет «Армянка. Маргарит (Жемчуг)» — один из лучших в её портретном наследии. Он входит в серию, посвящённую людям современной Армении. Портрет возник как результат особого интереса Асламазян к духовному миру человека, проявившемуся у неё в многочисленных поездках по странам Европы, Африки, Азии. Второе название портрета — «Жемчуг» — не что иное, как перевод имени «Маргарит» с армянского языка на русский.
Младшая современница Асламазян, академик Российской академии художеств, заслуженный деятель искусств России, народный художник Армянской ССР, живописец Лавиния Александровна Бажбеук-Меликян (1922–2005) при всех почётных званиях и наградах всегда привлекала уникальностью происхождения и историей своей жизни. Она родилась в Тбилиси в творческой семье. Отец — известный армянский художник Александр Александрович Бажбеук-Меликян (1891–1966), оказавший большое влияние на её художественное формирование и творчество. Мать — Нектар Айрапетовна Бажбеук-Меликян (1895–1949) — известный советский и армянский архитектор. Муж — живописец, прирождённый колорист Александр Фирсович Суханов (1924–1995), чья юность связана с Башкирией. В 1941–1943 годах он вместе с учениками и педагогами Московской средней художественной школы при Московском государственном художественном институте им. В. И. Сурикова, в том числе с А. П. Ткачёвым, П. П. Оссовским, И. А. Поповым, А. А. Тутуновым, В. Н. Гавриловым, А. В. Марцем, К. Ф. Власовой и В. А. Дрезниной, чьи произведения также представлены на выставке,* находился в эвакуации в селе Воскресенском Мелеузовского района Башкирии. Поэтому не случайно, что его изобразительное наследие представлено в коллекции Воскресенской картинной галереи — филиала Башкирского государственного художественного музея им. М. В. Нестерова. Дочь Лавинии Александровны и Александра Фирсовича — Мериам Суханова (по мужу — Фукара), живущая на Кипре, — тоже художник. Окончившая вместе с мужем Суриковский институт, Лавиния Александровна, как и Асламазян, жила и работала в двух городах — в Ереване и Москве. В результате, одним источником её творческого вдохновения стала живопись отца и Мартироса Сарьяна, другим — московская живописная школа.
Пейзажи, натюрморты, портреты и картины на тему жизни армянских крестьян написаны Бажбеук-Меликян с предельным чувством искренности. Сдержанные и благородные по колориту, лишённые внешней эффектности, они при этом сложны по композиции: построены подобно архитектуре, и в этом подходе очевидно влияние архитектурного таланта её матери. Таков и представленный на выставке «Натюрморт с гранатом», созданный в 1975 году — в один из лучших периодов в творчестве Бажбеук-Меликян. В то же время этот натюрморт подтверждает общепринятое мнение, что вершиной искусства Лавинии Александровны стали натюрморты: они поражают зрителя синтезом конструктивности композиции, динамики линейных ритмов, полнокровности живописных форм и их пластичности, подобной скульптурной осязаемости.
Неординарна биография ещё одного талантливого армянского художника — живописца, графика, поэта, члена Союза художников СССР Жака Гарбисовича Ихмальяна (1922–1978). Но, в отличие от благополучно сложившейся жизни Бажбеук-Меликян, его биография полна жизненных коллизий. Художник писал: «Я родился и вырос в Стамбуле, однако мои отец и мать родом из Анатолии, поэтому я вобрал в себя и эту культуру. В мою городскую жизнь всегда вплетались анатолийские традиции и обычаи, и Анатолия совсем не кажется мне чужой». Имеется в виду, что искусство Ихмальяна синтезировало многообразные источники и традиции — весь пласт культурного наследия хеттов, римлян, сельджуков, армян, византийцев, османов, — которыми с древнейших веков богата турецкая цивилизация. Важным для его творчества стало и образование: сначала он окончил частный французский католический лицей, затем — Государственный университет изящных искусств в Стамбуле. Казалось бы, всё предвещало счастливую творческую жизнь, но в те же молодые годы Ихмальян присоединился к левому движению и за активную политическую деятельность был приговорён в 1944 году к тюремному заключению. Вый­дя в 1947‑м на свободу, он через два года эмигрировал с семьёй из Турции: жил в Сирии, Ливане, Польше, Китае. В 1961‑м обосновался в Москве, преподавал турецкий язык и литературу в Институте стран Азии и Африки Московского государственного университета им. М. В. Ломоносова, а похоронить себя завещал в Ереване.
Ихмальян — художник редкого живописного дарования. В его творчестве органично сплелись новаторские поиски европейского авангарда начала ХХ века и классические традиции искусства Востока. Его в равной мере вдохновляла армянская средневековая книжная миниатюра с её филигранным рисунком и совершенством композиции, живопись Пикассо (1881–1973) и особенно Матисса (1869–1954). В то же время критика не раз отмечала, что главное дос­тоинство произведений Ихмальяна заключается в воплощении в них его личностных качеств — задушевности, доброты, любви к человеку и миру, — и что по ткани его холстов как будто разлита поэзия. Последнее возникает, бесспорно, оттого, что художник оставил после себя серьёзное поэтическое наследие.
В своих произведениях Ихмальян обращается к воспоминаниям детства и юности. Его любимые герои — женщины Востока, мудрые и печальные дети, крестьяне, цирковые артисты. В автопорт­ретах передаётся то главное, что определяло его внутренний мир. В то же время, в совершенстве владея искусством пластической метафоры, он стремился самыми минимальными выразительными средствами создать полнокровный образ. Ради образного обобщения отказывался от внешней эффектности и только движением кисти, выразительностью мазка создавал проникновенные, наполненные высоким поэтическим чувством произведения. Таковы и представленные на выставке картины «Натюрморт с белым кувшином» и «Праздник», созданные в один из лучших периодов в его творчестве — в середине 1970‑х годов.
Искусство родственного Армении советского Азербайджана и сегодня часто ассоциируется с художественным наследием живописца и художника кино, народного художника и заслуженного деятеля искусств Азербайджанской ССР, кавалера ордена «Шохрет» Азербайджанской Рес­публики Эльбека Мирза-Гасан оглы Рзакулиева (1926–2007). Он родился в Баку и прожил в нём всю свою жизнь.
Рисовать Рзакулиев начал в детстве. Затем окончил художественное училище им. Азима Азимзаде и Всесоюзный государственный институт кинематографии в Москве. Но по-настоящему его художественный талант раскрылся на киностудии «Азербайджанфильм», где он работал с 1953 года и до последнего дня жизни, став художником-постановщиком около 20 художественных фильмов, среди которых — «Мачеха», «Телефонистка», «Аршин мал алан», «Севиль», «Бахтияр», «Последняя ночь детства», «Его большое сердце».
Рзакулиев много путешествовал: побывал в Мексике, Франции, Румынии, Италии, Индии, Таиланде, Японии, Турции, Сирии, Йемене, Кувейте, Иордании, США, Швейцарии, Непале и во многих других странах. Эти поездки сыграли колоссальную роль в активном развитии его живописного таланта. В них он не только знакомился с культурой и бытом этих стран, но и получал эмоции, ставшие источником его вдохновения для создания остро оригинальных, если не экзотичных, произведений. Среди них и картина 1985 года «Деревня» из серии «Непал».
В то же время в творчестве Рзакулиева особое место занимали темы патриотизма и любви к Азербайджану. Представленная на выставке картина «Нефтяные промыслы» входит в цикл произведений о родном крае. Она написана в 1973 году и отличается не только красотой живописи, но и сюжетом, посвящённым одному из главных богатств Азербайджана — нефти и её добычи.
(Продолжение следует)