Россия – Беларусь: незыблемость дружбы и взаимообогащения культур

Автор — Светлана Игнатенко, искусствовед, автор экспозиции выставки

Сверстник Бруни,* крупнейший живописец, один из основателей владимирской школы пейзажной живописи, выдающийся колорист, живопись которого отличается особой светоносностью цвета, народный художник РФ, участник Великой Отечественной вой­ны Владимир Яковлевич Юкин (1920–2000) представлен картиной 1986 года «Суздаль».
В жизни Юкина было много событий — и счастливых, и трагических. В числе счастливых — его рождение в посёлке Мстёра Вязниковского уезда Тверской губернии, известном своими иконописцами и реставраторами. самые знаменитые среди них — живописцы и реставраторы братья Корины: народный художник СССР Павел Дмитриевич Корин (1892–1967) и заслуженный деятель искусств РСФСР Александр Дмитриевич Корин (1895–1986) — близкие друзья, соратники и помощники М. В. Нестерова в работе над храмовыми росписями. Известным реставратором был и дядя Юкина — Павел Иванович, работавший под руководством Игоря Эммануиловича Грабаря (1871–1960), основателя реставрационного дела в СССР. Счастьем для Юкина была и учёба в Ивановском художественном училище, которое он окончил в 1940 году.
Трагизм в жизнь Юкина, как и в жизнь всех людей его поколения, внесла война: он ушёл на фронт в первый её месяц. В начале августа 1941 года часть, в которой он служил, была окружена фашистами и взята в плен. Освобождён Юкин был только в марте 1945 года, и сразу после освобождения участвовал в боях в районе Вроцлава (Бреслау). За мужество и отвагу награждён медалями «За победу над Германией», «За освобождение Праги» и орденом Отечественной войны II степени.
В 1947–1948 годах учился во Львовском институте декоративно-прикладного искусства, но на II курсе из-за болезни матери был вынужден оставить учёбу и вернуться в Мстёру, где работал преподавателем рисунка и живописи в художественно-промышленной школе. Через год начал участвовать в выставках, через четыре года вступил в Союз художников СССР. В 1959 году переехал во Владимир, ставший для него второй родиной.
В основе пейзажного искусства Юкина лежат традиции русской пейзажной живописи И. И. Левитана, И. Э. Грабаря, А. И. Куинджи, Л. В. Туржанского, К. Ф. Юона, А. А. Рылова. В то же время он стал автором собственной художественной манеры, построенной на приёме минимального смешивания красок: работая чистыми яркими цветами и их тонами, он достигал общего впечатления от колорита как от преувеличенно декоративного. Поэтому неслучайно, что Юкина называют ещё и одним из самых последовательных приверженцев колористических традиций художественного объединения «Бубновый валет». С целью создания собственного живописного языка, отражающего жизнь и природу родной владимирской земли, он вслед за «бубновыми валетами» использовал яркость контраста красок, усиливающуюся за счёт фактуры поверхности холста: активно экспериментировал с грунтами, подмешивал в краску опилки, изучал колористические возможности тона при разности фактур и мазков. Много внимания уделял исследованию цветовых контрастов и декоративных пятен и использовал, как правило, принцип условного пространства. Все эти особенности художественной манеры Юкина в своём хрестоматийном варианте отражены в картине «Суздаль»: её звучный колорит создаёт реальное ощущение наполненности полотна солнечным светом.
Выдающийся пейзажист, произведения которого вошли в золотой фонд отечественной пейзажной живописи, Валентин Михайлович Сидоров (1928–2021) представлен на выставке пейзажем-картиной «Вечерняя тишина», написанной в один из лучших периодов его творчества — в 1980‑е годы.
Юность Сидорова, родившегося в деревне Сорокопенье Конаковского района Тверской области, связана с Москвой. Так же, как братья Ткачёвы** и Пётр Оссовский,*** он учился в Московской средней художественной школе при Московском государственном художественном институте им. В. И. Сурикова (причём его учёба началась в 1943 году, когда школа вернулась в Москву из двухлетней эвакуации в селе Воскресенском Мелеузовского района Башкирии). После окончания школы, в 1948‑м поступил на факультет живописи Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина. В 1952‑м перевёлся в Суриковский институт, который окончил в 1954‑м и в котором с 1994 года преподавал, возглавляя с 1998 года и уже в звании профессора мастерскую станковой живописи. За тридцать лет до этого, в 1960–1966 годах, руководил известной в стране творческой базой, ставшей для многих советских художников своеобразной точкой отсчёта, — Академической дачей в Вышнем Волочке Тверской области.
Внёсший колоссальный вклад в развитие советского, российского пейзажа, Сидоров, помимо творческой и педагогической работы, посвятил многие годы жизни работе общественной. В 1972–1985 годах был секретарём правления Союза художников РСФСР, в 1985–1987 — первым секретарём, в 1987–2009 — председателем правления Союза художников РФ, с 2009 — почётным председателем. Одновременно, в 1988–2009 годах являлся членом Президиума Российской академии художеств, с 1994 — президентом Международной конфедерации Союзов художников и на протяжении многих лет — членом Совета по культуре и искусству при Президенте Российской Федерации.
Обладавший даром писателя и исследователя искусства, в 2001 году Валентин Михайлович был принят в Союз писателей России и в этом статусе стал автором повести «Гори, гори ясно», изданной в том же 2001 году, и цикла рассказов о художниках, опубликованных в журнале «Мир музея». Но свой талант в этой сфере деятельности он продемонстрировал задолго до вступления в Союз писателей — известной книгой «Край вдохновения», изданной в 1984 году.
Универсализм творчества Сидорова и его вклад в отечественное искусство был высокого оценён: он — народный художник СССР и Украины, академик Академий художеств СССР и Киргизии, почётный член Академии художеств Узбекистана, лауреат многих Государственных и Международной премий.
Художник ярко выраженного национального характера, Сидоров посвятил своё творчество России. Мотивы его пейзажей, как и натюрмортов и жанров, просты, но наполнены безмерной и искренней любовью к Родине. Таков и пейзаж-картина 1989 года «Вечерняя тишина». Состояние душевного покоя, философского раздумья — эмоциональный контекст этого пронзительного произведения, синтезировавшего традиции русского лирического пейзажа А. К. Саврасова и пейзажа-настроения И. И. Левитана.
Достижения советского индустриального пейзажа и свое­образие его живописно-пластического решения демонстрирует творчество выдающегося живописца, монументалиста, графика, сценографа Александра Васильевича Пантелеева (1932–1990).
Заслуженный художник РСФСР и Башкирской АССР, Пантелеев жил и работал в Уфе, с 1976 года — в Вологде. А родился в городе Великие Луки Псковской области в театральной семье. В 1939 году вместе с семьёй переехал в Уфу и здесь в 1948–1953 годах учился на художественном отделении Башкирского театрально-художественного училища (ныне это Уфимское училище искусств, кстати, — старейшее на Урале). Его педагогами стали известные художники, в том числе один из основоположников профессионального изобразительного искусства Башкортостана, основатель башкирской школы живописи, ученик великого Николая Ивановича Фешина (1881–1955), заслуженный деятель искусств РСФСР и БАССР, народный художник БАССР Александр Эрастович Тюлькин (1888–1980). Как театральный художник уже в год окончания училища Пантелеев исполнил эскизы декораций к опере М. П. Мусоргского «Хованщина», а через три года, в 1956‑м, — к опере Н. А. Римского-Корсакова «Снегурочка». Всего же в его творческом наследии — сценографии к 17 спектаклям Башкирского государственного театра оперы и балета, Республиканского русского драматического театра в Уфе и драматического театра в Вологде.
Обладавший ярким талантом и харизмой, человек высокой культуры, интеллектуал, прекрасно разбиравшийся в музыке и поэзии, Пантелеев стал творческим примером для многих художников, стремящихся к смелому освоению новых, неизведанных тем. Поэтому неслучайно, что вокруг него консолидировались прогрессивные и молодые художественные силы башкирского искусства. Неслучайно и то, что в 1976 году он, всегда стремившийся к творческой свободе, по приглашению председателя правления Вологодского отделения Союза художников РСФСР Владимира Николаевича Корбакова (1922–2013) переехал в Вологду. И уже через год стал председателем правления Вологодского Союза художников, возглавляя его на протяжении ряда лет — в 1977–1983 и в 1987–1989 годах. Переезд в Вологду был мотивирован ещё и тем, что это была родина его матери. Но Башкирию, своих учителей, друзей, коллег он не только не забывал, а вспоминал и говорил о них с нежностью. В Вологде, в которой Пантелеев прожил вторую часть своей жизни, в память о нём и его вкладе в отечественное искусство в 1993 году был открыт Мемориальный музей-мастерская в статусе филиала Вологодской областной картинной галереи.
Интерес к натюрморту и пейзажу, в особенности к пейзажу индустриальному, возник у Пантелеева ещё в годы учёбы в Уфимском училище искусств. И особенностями своей стилистической манеры — повышенной декоративностью колорита, свободной игрой интенсивных красочных пятен и строгой организацией линейных ритмов — он также во многом обязан своим уфимским педагогам и башкирской школе живописи. Принцип «прямой и обратной связи» в случае с Пантелеевым работал безотказно: башкирская живопись воспитала в нём особый композиционно-колористический талант, а он, как бы в ответ, стал одним из выдающихся мастеров индустриального пейзажа (хотя в его творческом наследии — десятки и пейзажей ландшафтных).
Обратившись к индустриальному пейзажу в 1956 году, Пантелеев за несколько лет создал ряд масштабных произведений. Его вологодский период отмечен изменениями тематики и стилистики: в написанных в 1980–1987 годах «Северном цикле» и цикле «Времена года» он разрабатывает новый жанр, синтезирующий пейзаж и натюрморт, его увлекают метафоры, аллегории, символы. В 1989 году начинает работать над циклом «Русская северная серия», состоящим из сюжетных многофигурных композиций, основанных на библейских и евангельских притчах, придавших бытовым сценам северных крестьян трагическое звучание. Возможно, предтечей такого решения стал его же цикл «Чин непредвидения», созданный в середине 1980‑х годов и считающийся в российской живописи беспрецедентным, поскольку написан по типу Деисусного чина. Серия осталась незавершённой и, как писали тогда, стала творческим завещанием художника.
Представленная в экспозиции выставки крупноформатная картина «Эстакады “Азовстали”» создана Пантелеевым в 1975 году, то есть за год до его отъезда в Вологду, и относится к уфимскому периоду творчества, связанному с созданием индустриальных пейзажей. Напряжённая с точки зрения линеарного и колористического решения, динамичная по композиции, картина «Эстакады “Азовстали”» демонстрирует уникальный талант художника, вошедшего в историю оте­чественного искусства как непревзойдённый мастер индустриального пейзажа, остро ставивший проблемы экологии природы и цивилизации.
Тема трудовых будней, неотрывная от темы экологии, — одна из важнейших тем и в творчестве живописца, акварелиста, скульптора, педагога и общественного деятеля Аарона Исааковича Априля (1932–2020). Его художественное наследие представлено на выставке картиной 1964 года «Отделочницы “Трёхгорки”». Середина 1960‑х годов — самый пик расцвета «сурового стиля», поставившего во главу угла, наряду с темой экологии природы и покорения её человеком, романтизацию труда. Эта задача решалась посредством крупных, приближенных к первому плану фигур, мощных смелых ракурсов, создающих динамику композиции при часто условном пространстве и тональной разработке колорита — то сдержанного, «демократичного», то яркого, почти плакатного, призывающего к героике трудовых будней. Возможно, обращение Априля к этой сложной теме стало ещё и результатом его такой же непростой жизни. Хотя решена эта тема в праздничном, декоративном ключе.
Априль родился в городке Вилкавишкис Литвы, ставшей в 1940 году Литовской ССР, в семье врача-фармацевта. За несколько дней до нападения Германии на СССР, в июне 1941 года семья Априль была депортирована в Сибирь. Первый год ссылки провела в Алтайском крае, затем — за Полярным кругом. Будущий художник рос в Заполярье, в посёлках Кресты и Казачье на реке Яне в Якутии. Природа и условия жизни этого сурового края произвели на него настолько сильные впечатления, что десятилетия спустя и на протяжении многих лет они находили отображение в его искусстве.
После окончания в 1947 году с золотой медалью средней школы в Якутске, в 1948‑м Априль поступил в Московское художественное училище Памяти 1905 года, но проучился там только полтора года: в канун «дела врачей» его снова сослали в Якутск, где он окончил художественное училище и одновременно (заочно) учился на историческом факультете педагогического института. В 1953 году из ссылки был освобождён и приехал в Москву, где на факультете живописи Московского государственного художественного института им. В. И. Сурикова получил специальное образование. Окончив институт в 1960 году, уже в 1961‑м стал членом Московского Союза художников. В 1972‑м эмигрировал в Израиль.
В Иерусалиме много работал с натуры, осваивал новые темы и решал проблемы света и цвета. Пользовавшийся авторитетом в среде коллег и имевший завидное для многих академическое образование, в 1975–1976 годах Априль возглавлял Ассоциацию художников и скульпторов Иерусалима, в 1973–1983 преподавал живопись, рисунок и композицию в университете в Хайфе, в Еврейском университете и в Академии художеств «Бецалель» в Иерусалиме. Активно выставлялся в разных странах мира, в 2000‑е — в России: в 2002 и 2014 годах его персональные выставки экспонировались в Московском музее современного искусства, в 2008‑м ретроспектива его творчества была показана в Третьяковской галерее на Крымском валу. В 2005 году за вклад в российско-израильские культурные связи Априль был избран почётным членом Российской академии художеств, а за четыре года до этого, в 2001‑м, стал лауреатом престижной израильской премии им. М. Иш-Шалома «За особые заслуги в развитии искусства».
Стиль Априля иерусалимского периода отличается ярко выраженным переходом от фигуративности к экспрессивному символизму, живопись — красочностью, темпераментом и фантастической игрой. Критика не раз отмечала, что Априль — художник, который может украшать хаос, побуждая зрителя самому отвечать на вопросы, которые «задаёт» живописный образ. Имеется в виду, что из кажущихся беспорядочно пульсирующими мазков в его живописи вдруг возникают лица, фигуры, библейские персонажи. Цвету, тончайшим нюансировкам тона Априль придавал особое значение, что стало следствием его работы в акварели. При этом стилистика написанной в московский период картины «Отделочницы “Трёхгорки”», являющейся центральной частью одноимённого триптиха (или её более поздним повторением), значительно отличается от стилистики иерусалимских произведений: Априль работает всей массой ярких красок, густо нанося их на холст, а потом заглаживая и подчёркивая ими сложные ракурсы и общую динамику композиции. Этому методу он, по его словам, научился в конце 1940‑х в училище Памяти 1905 года: тогда ему особенно удавались женские образы и женская натура, которые почти через двадцать лет стали стимулом для создания картины «Отделочницы “Трёхгорки”».

* См.: Светлана Игнатенко. Россия – Беларусь: незыблемость дружбы и взаимообогащения культур // Рампа. Культура Башкортостана, 2023. — № 10. — С. 22–24.
** См. указ. статью. — № 9. — С. 20–22.
*** См. указ. статью. — № 10. — С. 22–24.

(Продолжение следует)