Россия – Беларусь: незыблемость дружбы и взаимообогащения культур

Народное искусство России представлено на выставке уникальными художественными промыслами и произведениями отдельных художников, но созданными в вековых промысловых традициях.
Древнейший Городецкий деревянный художественный промысел представляют произведения Тимофея Красноярова, Фаины Касатовой, Лилии Беспаловой и Валерия Зеленина.

Представитель потомственной династии мастеров городецкой игрушки, старейший и самый талантливый её мастер, участник Великой Отечественной войны Тимофей Фёдорович Краснояров (1904–1985) всю свою жизнь связал с Нижегородским краем, издревле славившимся самобытными народными промыслами. В их числе — резьба по камню и дереву, кузнечное дело, щепной промысел, роспись (хохломская, семёновская, городецкая, полхов‑майданская), плетение из лозы, филигрань, гончарное ремесло, ткачество, вышивка, золотошвейное искусство, кружевоплетение, рукописные и старопечатные книги с миниатюрами, пряничное производство и, конечно, игрушка.

Родился Краснояров в деревне Косково Городецкого района Нижегородской области, расположенной на берегах реки Узолы. Родился в семье, глава которой, Фёдор Семёнович Краснояров (1861–1943), был одним из самых известных мастеров Городецкого деревянного промысла и потому стал первым учителем сына. Но случилось так, что талант Фёдора Красноярова раскрылся только в 60‑летнем возрасте, после выхода на пенсию: завершив работу в службе снабжения на фабрике «Городецкая роспись», он начал работать в домашней мастерской и проявил себя как зрелый и оригинальный народный мастер, продолжатель традиций городецкой игрушки. До конца своих дней жил в Городце — городе уникальном не в меньшей степени, чем сам промысел: неслучайно испокон веку его называют Малым Китежем.

Основанный в 1152 году как вотчина князей из рода Боголюбских, Городец только на несколько лет моложе Москвы. Рядом с ним расположен Макарьевский монастырь, в самом городе — Феодоровская обитель, основанная через два года после Городца — в 1154‑м. В обители процветали иконописные и другие ремёсла, которые активно влияли на творческую атмосферу всего Нижегородского края. Достаточно назвать только два имени: иконописца Прохора с Городца, жившего в начале ХV века и ставшего сподвижником и помощником выдающегося иконописца Андрея Рублёва (около 1360–1428/1430), и благоверного князя Александра Невского (1221–1263). Поэтому с древнейших времён Городец и местность вокруг него были одним из культурных и динамично развивающихся центров Поволжья. Во второй половине ХVII века на смену запустению, начавшемуся с середины ХVI века, пришёл новый подъём, вызванный деятельностью старообрядцев и православных монастырей. В ХIХ веке Городец стал неофициальной столицей старообрядчества, что придало ему особый статус и способствовало возрождению интереса к творчеству. Что же касается Городецкого промысла, то в его состав входили как роспись, так и резьба по дереву, в том числе и городецкая игрушка, ставшая уникальным явлением в народном искусстве России и в истории русской народной деревянной игрушки.
Рассказ о Тимофее Красноярове будет неполным, если не обратиться к истории его семьи, к династии Краснояровых, которая ведёт своё начало с ХVIII века. Основатель династии, Никита Емельянович Краснояров, по преданию, приехал в Заузолье, расположенное между реками Керженцем и Узолой, из Красноярска. В то время местные жители кормились щепанием берёзовой лучины для светцов (подставки для лучины). Никита Емельянович, как гласит легенда, научил своих односельчан новому делу — украшению донец ручных прялок, то есть широкой и короткой горизонтальной доски, на которой сидела пряха, нарядной росписью. Новое дело понравилось, и с его лёгкой руки оно начало бытовать во многих деревнях Городецкой округи — Курцеве, Хлебаихе, Мокшине, Букине, Боярском, — превратившись со временем в промысел. Что же касается красочного украшения донца, то оно стало отличительной особенностью только городецкой (или «краснояровской») прялки.
Звонкая декоративность и высокая образность лежат и в основе искусства Тимофея Красноярова. Краски у его игрушек всегда яркие и контрастные: красная, оранжевая, чёрная. Технология окраски сложная (такой она была издревле): деревянную поверхность грунтовали мелом с клеем, что придавало цвету сочность; краски использовали природные, чаще всего сажу и киноварь, завершала роспись сусальная позолота, сверху покрываемая олифой. Над игрушками Краснояров работал тщательно, по канону, и всякий раз выводил их в разряд уникальных. Это и фигурки барынь и кавалеров, стилистическое решение которых близко к обережным кукла-панкам Русского Севера, и кони с повозками («запряжки»), и уточки-солонки, и рыбки-игольницы… А механические игрушки Красноярова — игрушки с движением, называемым «развод»! Это же настоящие шедевры! Характерные для Городецкого промысла, они были доведены им до совершенства. Среди них — и представленная на выставке игрушка с движением «Солдаты», исполненная в 1982 году. Яркие фигурки солдатиков построены в чёткие ряды так, что с одной стороны виден каждый из них, а с другой — они составляют дружный солдатский строй во главе с бравым офицером. Механизм простой: раздвижные планки. Делал Краснояров свои игрушки вручную — только при помощи стамески и напильника. Но каждая деталь сделана настолько виртуозно, что невозможно поверить, что так называемые круглоты (шары и конусы) не выточены на токарном станке (которого у него, кстати, никогда и не было), а обработаны напильником. Большую роль играл и тот факт, что Краснояров резал свои игрушки из липы — дерева, наиболее податливого обработке.

Ещё один образец городецкой игрушки с движением — игрушка «Карусель». Она создана в 1980 году старейшим городецким мастером, заслуженным художником РФ, лауреатом Государственной премии РСФСР им. И. Е. Репина, почётным гражданином Городца Фаиной Никифоровной Касатовой.

Вся жизнь Фаины Никифоровны связана с Нижегородским краем. И родилась она здесь: в 1937 году в деревне с забавным названием «Хвостиково» Семёновского района Нижегородской области. Начинала свою деятельность как мастер хохломской росписи, работая в 1953–1968 годах на фабрике «Хохломской художник» в селе Сёмино Ковернинского района той же Нижегородской области. Накопленный на фабрике опыт, знание и чувствование традиций не прошли для неё бесследно, ведь работала она в уникальном месте! Хохломская роспись как неповторимое, самобытное явление русского народного искусства, как традиционный художественный промысел, возникший в ХVII веке в Нижегородской губернии и получивший название от крупного села Хохлома, научила Касатову особому чувству цвета, познакомила с уникальной орнаментикой, основу которой с давних времён составляют красные и золотые цветочные узоры по чёрному фону, создающие эффект позолоченной металлизации. Праздничный, горящий яркими красками хохломской орнамент неслучайно получил статус орнамента национального. В 1968 году Касатова переехала в Городец и стала художником фабрики «Городецкая роспись». Она работала так успешно, что уже через год, в 1969‑м, впервые участвовала в выставке, а сегодня в её творческом активе — сотни выставок. В 1991 году вступила в Союз художников СССР.
Касатова — одна из тех мастеров, благодаря которым произведения городецкой росписи стали подлинными произведениями искусства и завоевали широкую известность за пределами России. Игрушка с движением «Карусель» с точки зрения механизма, композиции и раскраски близка аналогичным игрушкам, которые делал Краснояров. Стоит покрутить за ручку, и карусель закружится, а вместе с ней закружатся нарядные седоки и барышни. Сама карусель такая, какую можно было увидеть в старинные времена на ярмарках. Так, в касатовской «Карусели», по краснояровскому «канону», четыре фигурки: два всадника и две девицы. Ящичек «Карусели», куда спрятан немудрёный механизм вращения фигурок, тоже нарядно декорирован — растительным орнаментом, характерным для городецкой росписи: это разбегающиеся во все стороны лепестки-листики. Вместе с ярко раскрашенными крутящимися фигурками нарядная «Карусель» создаёт образ безудержной радости и молодецкого счастья.

Другой выдающийся мастер городецкой росписи, заслуженный художник РФ, лауреат Государственной премии РСФСР им. И. Е. Репина Лилия Фёдоровна Беспалова также всю жизнь проработала на фабрике «Городецкая роспись». Родилась она в 1939 году в Кронштадте, близ Ленинграда, а восемь классов школы окончила в деревне Бротены Нижегородской области. Уже в год окончания школы, в 1957‑м, была приглашена в первую группу из тринадцати человек для учёбы в Семёновской профессиональной школе по специализации «Городецкая роспись». Группу набирал выдающийся городецкий мастер Аристарх Евстафьевич Коновалов (1920–1993), и за время учёбы Беспалова стала одной из любимых его учениц. Окончив в 1959 году Семёновскую школу, сразу была принята на Городецкую фабрику, на которой работает до сих пор, будучи и ветераном фабрики, и всеми уважаемым художником, и наставником молодёжи. В 1962 году начала участвовать в выставках, в 1990–м вступила в Союз художников СССР.

Стиль Беспаловой легко узнаваем: он синтезирует богатство колористического решения с традиционными для Городца темами — свадьбами, праздниками, чаепитиями, ситуациями в мастерских ремесленников, военными и революционными сюжетами. Зная и глубоко чувствуя стилистические особенности традиционной городецкой росписи, Беспалова вносит в них тонкое чувство композиции, формы, пластики и цветовой гаммы. Таков и представленный на выставке ларец «Застолье», исполненный в 1982 году. Большой по размерам, яркий по раскраске с доминированием красного в основе и чёрного в росписи, с сюжетами хлебосольного и разудалого городецкого праздника, ларец «Застолье» — хрестоматийный, а потому уникальный образец городецкой росписи.

Наконец, четвёртый из мастеров, представляющих на выставке искусство Городецкого промысла, — Валерий Георгиевич Зеленин. Участник и победитель всероссийских и городских специальных выставок, смотров и фестивалей, он тоже житель Городца и с 1975 года художник фабрики «Городецкая роспись». Но он в первую очередь — резчик, известный, помимо игрушек, как непревзойдённый мастер пряничных досок! А сегодня, в свои 79 лет, свободный художник, много сил и времени отдающий работе по возрождению храмов Нижегородской области. В его творческом активе — уже несколько резных Царских врат со сложнейшим сквозным растительным орнаментом.
Универсальный талант Зеленина представлен на выставке игрушками «Конь-каретка». Они созданы в 1989 году — в период его работы на Городецкой фабрике. Испокон веку конь — один из любимых образов русской игрушки. Синтезирующий мифологического коня, символизирующего Солнце и Плодородие, и коня — верного друга человека, — этот образ в городецкой игрушке имеет несколько вариантов: просто конь (конь как животное), конь-качалка и конь-каретка. Последний имеет и другое название — конь с каретой. Форма кареты — органическое продолжение коня, образующая с ним единый силуэт. В том случае если карета отсутствует, её заменяют колёсики, тоже неотрывные от коня. Фигурку коня в обоих случаях и в соответствии с городецким расписным каноном декорирует цветочный орнамент, а колёсики каретки — это не только элемент движения, но и языческая солярная форма, символизирующая Солнце.

Другой древнейший художественный промысел — Богородской деревянной игрушки — представлен произведениями Максима Смирнова, Николая Шипеева и неизвестного художника второй половины ХХ века.
Зародился промысел в ХVI–ХVII веках в посёлке Богородское, который на тот момент принадлежал Троице-Сергиеву монастырю под Москвой, а сельчане, проживавшие в нём, являлись монастырскими крепостными. Кто первый положил начало художественному ремеслу, точно неизвестно, но в народе существует несколько преданий. Первое гласит о том, что в одной бедной семье мать решила порадовать своих ребятишек и вырезала из полешка необычную фигуру, окрестив её «Аука», то есть «Лесной дух». Дети поиграли с деревяшкой, да и забросили за печь, а отец достал её и решил взять с собой на базар, чтобы показать торговым людям. Лавочникам так понравилась игрушка, что они наказали крестьянину привезти ещё несколько штук. С той поры и началась история уникального промысла по изготовлению богородской деревянной игрушки. В другом предании говорится о жителе Сергиева Посада, который вырезал из липовой чурки куклу и показал её местному купцу, а тот куклу у крестьянина купил и выставил в своей лавке. Деревянная фигурка и дня не простояла в витрине: её тут же приобрели с большой выгодой для купца. И тогда купец заказал крестьянину целую партию забавных игрушек и снова удачно их продал. Затем деревянными игрушками заинтересовались европейские купцы: оценив высокий уровень мастерства крестьянских резчиков, они окрестили эти игрушки подлинными произведениями искусства и начали активно приобретать их за немалые деньги. Так для жителей Сергиева Посада и соседних деревень изготовление и продажа богородских игрушек стали одним из основных источников дохода.

Старейший мастер современной богородской игрушки, народный художник РСФСР, участник Великой Отечественной войны, кавалер орденов Трудового Красного Знамени и Отечественной войны II степени, награждённый медалью «За победу над Японией», Максим Иванович Смирнов (1927–2003) представлен на выставке композицией «На пасеке» 1986 года.
Жил и работал Смирнов в Москве, а родился в селе Троицк Ковылкинского района Мордовской АССР. В 1944 году был призван в ряды Красной армии, прошёл войну.
Специальное образование получил в Московском художественно-промышленном училище им. М. И. Калинина, окончив его в 1959 году. И с этого же года стал художником экспериментальной творческой группы Богородской фабрики художественной резьбы, создав за годы работы на ней более 250 образцов резной деревянной игрушки, около пятидесяти из которых были приняты в серийное производство. Известен Смирнов и деревянной скульптурой «Медведь с самоваром», установленной в дни Олимпиады-80 в Москве у здания бывшего ресторана «Золотое кольцо».

Уже через год после начала работы на Богородской фабрике, в 1960‑м, Смирнов впервые участвовал в выставке и сразу обратил на себя внимание специалистов. С тех пор экспонирование на выставках его произведений — декоративных скульптур, игрушек, панно — стало традиционным. За многие из них он удостоен творческих медалей. В 1975 году стал членом Союза художников СССР.

Будучи на протяжении многих десятков лет одним из ведущих мастеров Богородской фабрики художественной резьбы, Смирнов ревностно сохранял и развивал древние традиции Богородского промысла, игрушки в особенности. Неслучайно его называют одним из тех мастеров, которые определили лицо Богородского промысла в 1960‑е — 1980‑е годы. Так, главный и любимый персонаж богородской игрушки — неуклюжий, никогда не унывающий, добрый и улыбчивый медвежонок — в композициях Смирнова работает на стройке, ловит рыбу, занимается спортом, осваивает космические просторы, не говоря уже о самом любимом его занятии — лакомстве мёдом. Именно таков медведь в композиции «На пасеке». Её сюжет прост: ничего не подозревающий мишка забрался на пасеку в надежде полакомиться мёдом, а ему навстречу выскочил с лаем верный сторож — маленький пёсик. Медведь, уже успевший приоткрыть крышку улья, от неожиданности, вызванной собачьим лаем, даже отпрянул назад. Чем закончилось это «противостояние», сказать трудно: думается, что медведь всё-таки исполнил свою мечту — полакомился мёдом.

Композиция «На пасеке», помимо теплоты образа, демонстрирует характерные особенности богородской игрушки. Во‑первых, это традиционный образец игрушки с движением: для того чтобы скульптурки двигались, богородские мастера издревле использовали параллельно расположенные планки, скреплённые между собой гвоздиками, а балансир на верёвочках вставляли в отдельные части спиральной пружинки. Во‑вторых, её главный герой — медведь. В каких только ситуациях он не представлен в богородской игрушке! Это и медведь на пасеке, и медведь в бане, и медведь на тройке лошадей. То есть одна из отличительных особенностей богородской игрушки заключается в том, что животное в ней всегда очеловечено — так же, как в русской народной сказке. В‑третьих, богородская игрушка — это скульптурная композиция (или фигурка), вырезанная при помощи специального ножа из пластичных пород дерева — вяза, бука, дуба, ясеня. Поэтому её основная пластическая особенность — плавность линий силуэта и деталей, то есть отсутствие острых элементов, которые могли бы поранить ребёнка.

Ещё один известный мастер богородской игрушки, заслуженный художник РСФСР, обладатель золотой, серебряной и бронзовых медалей ВДНХ СССР, педагог и общественный деятель Николай Михайлович Шипеев (1940–2015) представлен композицией 1990 года «В бане», которая в очередной раз подтверждает специфику сюжетов и мотивов богородской игрушки, главным героем которых является медведь.

С 1968 года Шипеев жил и работал в Хотьково Московской области. И родился он в Подмосковье — в деревне Селихово Загорского района. Получил блестящее специальное образование: в 1955 году окончил Богородскую художественную профессионально-техническую школу художественной резьбы по дереву и сразу начал работать на Богородской фабрике художественной резьбы. В 1968‑м получил ещё одно образование резчика — на отделении художественной обработки дерева Абрамцевского художественно-промышленного училища им. В. М. Васнецова. После окончания училища и до 1976 года преподавал в нём основы исполнительского мастерства. А за три года до окончания, в 1965‑м, впервые участвовал в выставке и так же, как Смирнов, в одночасье попал в сферу пристального внимания коллег и критики. В 1980 году вступил в Союз художников СССР, в 1986–1988 годах был членом бюро секции декоративно-прикладного искусства Московской областной организации Союза художников РСФСР, в чём выразилось особое уважение коллег не только к его творчеству, но и к организаторскому таланту. Эти же два критерия стали основополагающими и при назначении Шипеева художественным руководителем Богородской фабрики художественной резьбы. В этой должности он проработал многие годы, вплоть до 2000‑го.

Основным направлением творчества Шипеева, как и всех мастеров Богородской фабрики, стали декоративная скульп­тура, панно и, конечно, игрушка. Более того, он вошёл в историю Богородского промысла не только как последовательный продолжатель его древних традиций, но и как один из лучших его мастеров.

Спектр мотивов и образов богородской игрушки достаточно широк, и весь он нашёл отражение в творчестве Шипеева, хотя традиционные прерогативы остались незыблемыми: так, наряду с медведем, любимыми образами и мотивами богородских мастеров стали кузнецы и курочки. Например, в композиции с движением «Кузнецы», которой несколько сотен лет и которая известна и популярна во всём мире, — это крестьянин и медведь, поочерёдно бьющие кувалдами по наковальне. В композиции с движением «Курочки», которой столько же лет (в неё играли ещё Пушкин и Лермонтов), пять хохлаток сидят на полянке, и стоит сделать лишь одно движение рукой, и птички оживают: они начинают весело двигаться и клевать зёрнышки. Такие же чувства радости и доброго юмора вызывает и движущаяся композиция Шипеева «В бане»: сидящие на скамье три медведя парят и моют друг друга.

В той же иллюстративной форме и с тем же юмором решён сюжет композиции «Вежливый медведь», созданной в конце 1990‑х годов талантливым богородским мастером, имя которого, нам, к сожалению, неизвестно. С точки зрения количества фигур здесь та же ситуация, что и в композиции «На пасеке»: их две — медведь и старушка. Но вместо «противостояния» перед нами — сцена доброжелательного общения, позволяющая в очередной раз констатировать максимальное очеловечение медведя как любимого персонажа богородской игрушки.

Убедиться в неувядающей популярности резьбы по дереву в искусстве многих народов России позволяют экспонирующиеся на выставке произведения мордовского художника Николая Рябова и удмуртского мастера Юрия Шлыка.
Заслуженный художник Мордовии, резчик по дереву, живописец, рисовальщик и педагог Николай Владимиров Рябов живёт и работает в Саранске. Отметивший своё 65‑летие, он в самом расцвете творческих сил.

Вся жизнь Рябова связана с Мордовией. Здесь, в селе Подлесная Тавла Кочкуровского района, он родился. После окончания в 1989 году художественно-графического факультета Московского государственного педагогического института им. Н. К. Крупской, вернулся в Саранск и уже через год начал участвовать в выставках. В 1996 году стал членом Союза художников России, в 2007‑м — кандидатом педагогических наук. Сегодня Рябов — доцент кафедры традиционной мордовской культуры и современного искусства Института национальной культуры Мордовского государственного университета им. Н. П. Огарёва и руководитель Студии декоративно-прикладного творчества института. Область его научных исследований — проблемы этнокультуры, знаковой символики и её отражение в художественном творчестве. Он — автор более 150 научных публикаций, в том числе двух монографий по проблемам традиционной мордовской культуры.

Представленные на выставке деревянные фигурки «Лошадки» созданы Рябовым в 1992 году. Пластически они синтезируют вековые традиции русской резьбы по дереву и современные тенденции: линия силуэта плавная, гибкая, как и в традиционных образцах русской игрушки, а вот лапидарность объёма и отсутствие иллюстрирующих деталей апеллируют к современной этнокультуре. Использование же в гриве и хвосте мягких природных материалов отправляет их к белорусской традиционной игрушке, выполненной из соломки.* Эта ассоциация в контексте данной выставки более чем актуальна, поскольку является ещё одним выражением взаимопроникновения и взаимообогащения культур народов России и Беларуси.

Активно развивающееся искусство резьбы по дереву в Удмуртии представлено произведениями 74‑летнего ижевского мастера Юрия Васильевича Шлыка: это «Ковш-конь» и «Ковш-утка с утятами», исполненные в 1991 году. В стилистическом отношении оба произведения воплощают типично русскую традицию, связанную с появлением ковшей в быту русских крестьян и бояр и ведущую свою историю с Х столетия. Использование же в ковшах Шлыка капокорня отправляет их к московской традиции. Ковши использовались в быту для питья и подачи напитков, зачерпывания и наливания жидкостей, пересыпания сыпучих продуктов. Стремление сделать ковши красивыми и придать им обережную функцию способствовало тому, что они получали формы особо любимых и почитаемых в народе коня и птицы, любовно называемой утицей.

И, наконец, ещё один древнейший в России художественный промысел — Скопинский керамический. Он возник на рязанских землях более трёх веков назад: первые упоминания о нём относятся к 1640 году. Именно в этом году в списках населения было зафиксировано имя первого скопинского гончара Дёмки Киреева, Бердникова сына, и отмечено наличие в окрестностях Скопина больших залежей светлой гончарной глины, которая и способствовала развитию здесь керамического промысла. Производство было основано в 1860 году крестьянами-братьями Оводовыми, после чего промысел приобрёл всероссийскую известность. В этот период скопинскими мастерами стали изготавливаться глазурованные фигурные сосуды (кувшины, квасники, кумганы), многоярусные подсвечники причудливых форм, украшенные лепниной в виде невиданных зверей, птиц и рыб, позднее — оправы для каминных часов и фигурки мифологических львов, кентавров, домашних птиц и животных. Эти изделия, которые уже были не чем иным, как произведениями искусства, пришли на смену той примитивной посуде, черепице, кирпичу и печным трубам из глины, которые производились скопинскими гончарами на раннем этапе промысла. Благодаря своей затейливости скопинская керамика стала прославляться за пределами Рязани, её возили на праздничные базары в крупные города России и Украины. Изделия скопинских мастеров активно скупались иностранцами — коллекционерами и просто любителями народного искусства. Всем были по нраву оригинальность и сложность форм изделий, украшенных богатой лепниной с различными видами животных, ставшими выражением непревзойдённой фантазии скопинских мастеров. особое значение среди образов приобрёл образ птицы Скопы, именем которой и назван город Скопин. Нравились и узоры, в которых преобладали растительные и геометрические мотивы; они наносились на изделия по сырой глине с помощью разнообразных штампиков и стеков. Для глазурования применялись поливы различных цветов — зелёного, жёлтого, коричневого и серо-синего. В годы Первой мировой войны и в 1919 году скопинское производство приостановилось, в 1934 году возродилось вновь и уже на Скопинской фабрике художественных изделий, в 1969 году появилась Скопинская фабрика художественной керамики, ставшая правопреемником артели «Керамик».

Скопинский керамический промысел представлен на выставке произведениями народного художника РФ, почётного члена Российской академии художеств, лауреата Государственной премии РСФСР им. И. Е. Репина, премии ВЛКСМ Рязанской области и премии «За вклад в развитие и сохранение традиционной народной культуры Рязанской области» Татьяны Васильевны Лощининой, живущей и работающей в Скопине.

Родилась Лощинина в 1963 году в посёлке Кадом, под Рязанью. Получила блестящее специальное образование: сначала на отделении художественной керамики Абрамцевского художественно-промышленного училища им. В. М. Васнецова, которое окончила в 1982 году, затем, в 1988–1992 годах — в Ленинградском высшем художественно-промышленном училище им. В. И. Мухиной (ныне это Санкт-Петербургская государственная художественно-промышленная академия им. А. Л. Штиглица). И в дополнении ко всему в 1992–1994 годах училась в Московском технологическом институте. Уже через год после окончания Абрамцевского училища начала работать на Скопинской фабрике художественной керамики. Проявив редкий талант и неординарные организаторские способности, сделала головокружительную профессиональную карьеру. Начав свою деятельность в 1983 году как мастер-гончар, уже в 1984‑м была назначена художником-гончаром, в 1989‑м — художником-искусствоведом. В 2014 году основала и до 2017‑го возглавляла Скопинский центр народных художественных промыслов и ремёсел. Уже в 1983 году 20-летняя Лощинина участвовала в первой в своей жизни выставке и с тех пор в её творческом активе — выставки, конкурсы и фестивали самого престижного уровня, за многие из которых она удостоена дипломов Гран-при и лауреата.

В 1990 году стала членом Союза художников СССР, через девять лет — членом Комиссии по народному искусству Союза художников РФ, в 2001‑м — членом экспертного совета по народным художественным промыслам при Министерстве промышленности, науки и технологии РФ.

Среди многочисленных наград Лощининой одна имеет самое прямое отношение к экспонирующимся на выставке кумгану «Зелёный», выполненному в 1990 году, и к декоративному сосуду «Лев» 1991 года: это победа в номинации «Кувшин-2007» Регионального фестиваля гончарного искусства «Город мастеров» в Богородске. Оба произведения демонстрируют ревностное сохранение Лощининой традиций скопинской керамики, о которых было сказано выше. Поэтому их экспонирование на выставке — ещё одна её большая удача.

Таким образом, четвёртая модульная линия в экспозиции выставки российских и белорусских художников второй половины ХХ века отчётливо демонстрирует, что произведения народного искусства были привлекательны во все времена. Но особенно привлекательны и востребованы они сегодня, когда из современной прагматичной жизни всё больше уходят поэзия быта и чувство вселенской гармонии. Ведь произведения народного искусства обладают особой энергетикой добра и красоты и являются самым верным источником традиций и вдохновения для художников изобразительного и профессионального декоративно-прикладного искусства.