Романтики великой страны

Автор — Светлана Игнатенко, искусствовед

Продолжение. Начало в № 1, 2 (2022)

Жанром, активно развивавшимся в советской скульптуре в 1970‑е годы, стала анималистика. Сочетающая зоологические и художественные начала, анималистика — один из древнейших жанров искусств, достаточно вспомнить изображения животных на стенах всемирно известных пещер эпохи палеолита — испанской пещеры Альтамира, французских пещер Ласко и Фон-де-Гом, Каповой пещеры (или Шульган-Таш) на территории Бурзянского района Башкортостана. На выставке «Романтики великой страны» этот древнейший и уникальный жанр представлен произведениями Андрея Марца и Александра Белашова.
В богатом традициями русском анималистическом искусстве творчество Андрея Валериановича Марца (1924–2002), заслуженного художника РСФСР, члена-корреспондента Российской академии художеств, занимает одно из ведущих мест, а его имя стоит в ряду с такими выдающимися анималистами, как Артемий Обер (1843–1917), Иван Ефимов (1878–1959), Василий Ватагин (1883–1969), Алексей Сотников (1904–1989), Алексей Цветков (1924–2011). Между тем творчество Марца нельзя отнести только к классическому реализму. Его скульптурным композициям свойственны самобытность, гротеск и необыкновенная проницательность в передаче характера и внутреннего мира животного, птицы или рыбы. Каждое произведение Марца — это не только авторский взгляд на творение природы, но и тонко подмеченный, подчёркнутый характер. Три основных качества анималистической скульптуры — точное видений натуры, понимание неповторимой пластики движущегося тела животного, чёткая декоративная организация скульптурной формы — стали для него основополагающими. Но для такого подхода был нужен не только высочайший профессионализм и богатый опыт в познании природного мира, но и врождённый талант видеть и чувствовать животное. Марц по этому поводу говорил: «Мне дорого само животное, характерность того или другого вида. Когда мне удаётся это передать — создаваемый мной образ становится, как мне кажется, более убедительным и органичным».
Андрей Марц создал большое количество скульптурных изображений рыб, птиц, зверей разных стран и континентов. Он обладал редким даром воплощать в изображениях животных, зачастую камерных, масштаб огромного природного пространства. Ему были одинаково дороги и сегодняшний мир Земли, и её доисторическое прошлое с сохранившимися до наших дней муравьедами и глубинными рыбами. В этом смысле его творческое наследие проецируется на многотысячелетнюю историю анималистического искусства.
Но не только выдающимся талантом и уникальным художественным наследием дорого нам имя Андрея Валериановича Марца — оно дорого как искусство художника, связавшего себя ещё в юности с Башкирией: в 1941–1943 годах в составе 200 воспитанников и педагогов Московской средней художественной школы при Московском государственном художественном институте им. В. И. Сурикова он находился в эвакуации в селе Воскресенском Мелеузовского района. А затем его произведения вошли в собрание Башкирского государственного художественного музея им. М. В. Нестерова и вот уже сорок лет экспонируются в залах Воскресенской картинной галереи — филиала музея. В воскресенской коллекции на момент поступления экспонатов из фондов Государственного музейно-выставочного центра «РОСИЗО» было семь произведений Марца, сегодня его коллекция увеличилась ещё на два экспоната. Первые четыре произведения поступили в музей в 1982 году как дар Дирекции художественных выставок Художественного фонда РСФСР: это исполненные в начале 1970‑х годов скульптуры «Дикобраз», «Зебра», «Муравьед» и «Антилопа канна». В 2017 году в рамках дебютного экспонирования в Москве музейного выставочного проекта «Адрес памяти — Воскресенское» коллекция Марца пополнилась ещё тремя произведениями: Валентина Дмитриевна Шапошникова, заслуженный работник культуры РФ, начальник отдела выставочной работы Союза художников России и большой друг Нестеровского музея преподнесла в дар музею скульптуры 1980‑х годов «Баран», «Птица» и «Оленёнок».1 И вот — ещё две скульптуры: «Носорог» и «Глубоководная рыба», датированные, скорее всего, 1970‑ми годами. Все скульптуры Марца выполнены в его любимом материале — металле.
Заслуженный художник РСФСР, академик Российской академии художеств, лауреат Государственной премии РФ и премии правительства Москвы Александр Михайлович Белашов (1933–2011) вошёл в российскую скульптуру тоже как анималист. Среди его известных монументальных произведений — скульптуры для Московского зоопарка, «Медвежонок на островке» в Московском государственном академическом детском музыкальном театре им. Натальи Сац, скульптуры во внутреннем дворике Палеонтологического музея им. Ю. А. Орлова Российской академии наук. В то же время Белашов известен и как автор памятника жертвам «Норд-Оста» в Москве, открытого в 2003 году. он известен и как сын выдающегося скульптора, педагога, общественного деятеля, народного художника СССР, лауреата Государственной премии СССР Екатерины Фёдоровны Белашовой (1906–1971). При этом отметим, и это важно, что символической доминантой памятника жертвам «Норд-Оста» вновь стали любимые Белашовым анималистические мотивы: взлетающие в небо журавли символизируют вознесшиеся к Господу души погибших и одновременно звучат символом жизни, её продолжения, её вечной весны.
В станковых анималистических скульптурах Белашов руководствуется теми же, что и в монументальных произведениях, принципами: это пластичность силуэта, обобщённость формы, отсутствие детализации. Такова и станковая бронзовая скульптура «Котик на позвонке», экспонирующаяся на выставке. Созданная, в 1970‑е годы, то есть тогда же, когда создавал свои лучшие произведения Андрей Валерианович Марц, «Котик на позвонке» демонстрирует, с одной стороны, особенности стилистического метода Белашова, с другой — ту многообразную стилистическую картину, которая отличала советскую анималистическую скульптуру доперестроечного периода.
Помимо произведений Марца, которые после завершения экспонирования выставки «Романтики великой страны» вой­дут в состав воскресенской коллекции и будут экспонироваться в залах Воскресенской картинной галереи, эту же коллекцию полполнят и произведения других художников‑«воскресенцев», то есть бывших учеников Московской художественной школы, находившихся, как и Марц, в 1941–1943 годах в эвакуации в селе Воскресенском. Это Алексей и Сергей Ткачёвы, Владимир Гаврилов, Клара Власова, Андрей Тутунов, Игорь Попов, Пётр Оссовский, Вера Дрезнина. Формирование этой части дара музейно-выставочного центра «РОСИЗО» было заранее обговорено, поскольку имело своей целью пополнение воскресенской коллекции, представляющей уникальные произведения советского и российского искусства большого временного периода — 1940‑х — начала 2010‑х годов.
Так, народные художники СССР и РСФСР, академики Академии художеств СССР, лауреаты Государственных премий СССР и РСФСР и ряда других престижных премий, кавалеры орденов «Знак Почёта», Трудового Красного Знамени, «Дружбы народов», «За заслуги перед Отечеством» III и IV степеней, почётные граждане Брянска и Брянской области, родные братья Алексей Петрович и Сергей Петрович Ткачёвы представлены на выставке совместной картиной «Мать с ребёнком», созданной, скорее всего, в 1967 году. Появление этого произведения в собрании Нестеровского музея значительно пополняет воскресенскую коллекцию братьев Ткачёвых 1960‑х — 1970‑х годов.
Выдающиеся живописцы, яркие представители искусства социалистического реализма, приближающиеся сегодня к своим 100‑летним юбилеям, они работают вместе с 1952 года, хотя в их персональных активах — самостоятельные произведения, и каждый из них — крупная творческая личность со своими художественными пристрастиями и душевными порывами. Сергей Петрович — художник острой живописной манеры, тяготеющий к масштабным полотнам, к развёрнутым с точки зрения сюжетности композициям, Алексей Петрович более лиричен, он тонкий живописец и рисовальщик. Эти индивидуальные качества, синтезируясь в момент работы над совместными произведениями, представляют художнический феномен, названный критикой «феноменом братьев Ткачёвых»: он основан на высочайшем мастерстве, стремлении к большой картине, досконально проработанной внутренней драматургии образа и живом языке пленэрной живописи. Ещё один яркий пример в этом ряду — «Мать с ребёнком». Отличающаяся чертами, характерными, скорее, для творчества Сергея Петровича (крупными, мощными и несколько лапидарными формами), эта картина — одно из самых характерных произведений в творчестве братьев Ткачёвых как с точки зрения образно-тематической линии, так и с точки зрения живописно-пластического и колористического решений. Источниками же тем и образов в произведениях братьев Ткачевых стала их малая родина — Брянщина, село Чучуновка, крестьянский быть, большая семья, мать и отец, воспитавшие в своих детях любовь к земле, к труду, к Родине. И, конечно же, село Воскресенское, где Алексей Ткачёв, тогда ученик Московской средней художественной школы находился вместе со своими товарищами и педагогами в эвакуации. Из этих источников возникли и герои картин братьев Ткачёвых — реальные люди, современники, родные, друзья, соседи. Но Ткачёвы, как правило, всегда стремятся подняться над конкретикой — их привлекают образы типические, в которых выражается национальный русский характер. Сквозь приз­му деревенской жизни, обостряя явления и характеристики персонажей, они рассказывают правду о драме и счастье страны, прошедшей через тяжелейшие испытания, но вышедшей из них с ещё большим чувством достоинства и национальной гордости. Бесспорно, обращение братьев Ткачёвых к сельской тематике, к людям земли, к крестьянскому быту сближает их творчество с актуальными в 1960‑х — 1970‑х годах тенденциями в советской литературе, в прозе известных писателей-«деревенщиков», с особой остротой поднявших проблемы нравственности и правды жизни, призывавших к воспитанию в каждом соотечественнике любви к Родине.
Воплощению этой благородной цели посвятил своё творчество и живописец Владимир Николаевич Гаврилов (1923–1970) — заслуженный художник РСФСР, участник Великой Оте­чественной войны, художник Студии военных художников им. М. Б. Грекова, находившийся в 1942–1945 годах в действующей армии на Западном, Украинском и Карельском фронтах. В 1968–1970 годах он в должности профессора преподавал на факультете живописи Московского государственного художественного института им. В. И. Сурикова, который окончил сам. Большим событием в его жизни стал и сын — всемирно известный пианист Андрей Гаврилов.
Пейзажист, жанрист, мастер сюжетно-тематической картины, Владимир Гаврилов вошёл в историю советского искусства как один из самых талантливых представителей поколения живописцев 1950‑х — 1960‑х годов. Художник большого лирического дарования, тонкий колорист, необычайно чуткий к красоте природы и окружающего мира, он исповедовал в своём искусстве лучшие традиции русской реалистической школы. В 1954 году в качестве руководителя группы живописцев впервые приехал в Дом творчества «Академическая дача» под Вышним Волочком и открыл для себя неповторимую красоту природы средней полосы России, тех мест, которые связаны с творчеством выдающегося русского художника Алексея Григорьевича Венецианова (1780–1847) — основателя знаменитой венециановской школы живописи. С этого времени важнейшей составляющей образа стала для Гаврилова культивируемая русским искусством, начиная со второй половины ХVIII века, идея гармонии человека и природы.
Тема радости жизни звучит в большинстве произведений Гаврилова 1960‑х годов, в том числе и в тех, которые представлены в экспозиции Воскресенской картинной галереи: это пейзажи «Ранняя весна», «Последний лёд», «Зимняя тишина». Произведения этого десятилетия отмечены особым ликованием цвета, подчёркивающим настроение образа и апеллирующим к живописной концепции художественного объединения начала ХХ века «Союз русских художников». Именно с этих жизнеутверждающих произведений начался для Гаврилова период полного колористического «раскрепощения»: отныне он программно использовал разнообразные мазки (динамичный широкий и тонкий деликатный), писал то густо, пастозно, то прозрачными лессировками, а иногда применял острые силуэтные решения. Он стал смелым экспериментатором, новатором, но его новаторство, помноженное на постоянное совершенствование мастерства рисовальщика, имело одну важнейшую цель — развитие великих традиций русского реалистического искусства, ярким свидетельством которых стала и представленная на выставке картина 1970 года «Вечер». Вклад Гаврилова в советскую живопись настолько значителен, что посмертно, в 1971 году (а это исключительный случай!), он был удостоен звания лауреата Государственной премии РСФСР им. И. Е. Репина. А воскресенская коллекция пополнилась произведением, ставшим одним из последних в его творчестве.
1971 годом датируется произведение ещё одного талантливого «воскресенца» — заслуженного художника России, народного художника Республики Дагестан, кавалера ордена «Знак Почёта» Клары Филипповны Власовой. Это пейзаж «Аул Вачи», изображающий одно из любимых мест Власовой в Дагестане.
Выпускница Московской средней художественной школы и Московского государственного художественного института им. В. И. Сурикова, Клара Власова — яркий представитель московской школы живописи с её «бьющим через край восторгом колористического жизнеощущения». Много путешествуя, работая на пленэре, Власова отобразила на полотнах красоту разных уголков страны и мира. Но особой душевной привязанностью стал для неё Дагестан: она называет его фантастическим, «Меккой духа и вдохновения». Этот край покорил её неповторимой красотой природы, торжественностью гор, уникальностью архитектуры и безграничным гостеприимством, радушием и талантливостью народа. Поэтому с таким удовольствием работает она в Кумухе, Чохе, Махачкале, Вачи. Её любовь к Дагестану настолько сильна, что потрясённая величавостью горного аула Чох, она даже купила там саклю начала ХХ века с росписями на стенах, похожими на те, которые писал великий грузин Пиросмани (1862–1918). Купила, чтобы приезжать сюда постоянно. В Дагестане Власова создала немало произведений — пейзажей, портретов и жанровых композиций, наполненных солнцем, светом, радостью жизни. На них — узкие улочки, хлопотливые дворики, лица стариков и детей. Народный художник СССР, академик Академии художеств СССР Виктор Иванович Иванов, учившийся с Кларой Филипповной и в Московской художественной школе, и в Суриковском институте, очень точно заметил: «Я не был в Дагестане, но по правдивым, красивым, живым и естественным картинам Клары Власовой я успел полюбить Дагестан. Клара Власова — большой художник божественного дарования. Ей удаётся создавать шедевры без напряжения и потуги».
Несмотря на красивый возраст (28 января 2022 года Кларе Филипповне исполнилось 96 лет), она сохранила такие редкие сегодня качества, как оптимизм, жизнелюбие, неиссякаемая энергия, интерес к окружающему миру, восхищение природой и доброжелательное отношение к людям. Исследователи её творчества считают, что именно эти качества определили стилистические особенности её живописи — импрессионистическую декоративность, светоносную стихию, широкую, свободную манеру письма с динамичным мазком, лепящим форму в большей степени цветом, чем академической светотенью. Пейзаж «Аул Вачи», отличающийся всеми достоинствами художественной манеры Власовой, стал её четвёртым произведением в воскресенской коллекции.
21 января 2022 года отметил свой 94‑й день рождения и Андрей Андреевич Тутунов — народный художник России, академик Российской академии художеств, лауреат премии МОСХа и Московского комитета ВЛКСМ, младший брат известного советского живописца Сергея Андреевича Тутунова (1925–1998). Братья Тутунова — воспитанники Московской художественной школы и художники-«воскресенцы», их известные, знаковые произведения представлены в экспозиции Воскресенской картинной галереи.
Основная тема творчества Андрея Тутунова — русская провинция. Этой теме он посвятил больше 60 лет жизни, написав свои первые пейзажи ещё в 1949 году — на I курсе Суриковского института. В то время и особенно в 1950‑е годы он воспринимал сельскую глубинку романтически: она звучала для него восторженно и жизнерадостно даже в самых простых, обыденных, бытовых сценах. Мир его ранних образов спокоен и гармоничен. Цветовая гамма, построенная на благородных тональных соотношениях, передаёт то радостное ощущение, с которым он воспринимал тогда мир. Часто использовался и звучный цвет, но, будучи наполненным светом, он никогда не казался напряжённым, драматичным. Характер мазка менялся в зависимости от мотива: в одних случаях — это лёгкое прикосновение кисти, в других — энергичные фактурные приёмы. Но в целом практически все пейзажи и интерьеры Тутунова 1950‑х — 1960‑х годов написаны в так называемой этюдной манере. Часто пейзаж наполнялся философским смыслом, напоминая о нетленной красоте природы, её вечной, неувядающей молодости. Радость жизни, вера в лучшую будущность страны — основной эмоциональный лейтмотив образов в произведениях Тутунова этих десятилетий. Яркие здесь примеры — представленные в экспозиции Воскресенской картинной галереи картины «Деревенский интерьер», «Семья рыбака», «Пейзаж с белкой».
В произведениях Тутунова конца 1970‑х — начала 1980‑х годов на смену цельности мироощущения, светлого и открытого взгляда на природу приходит состояние тревоги — смятение чувств, тяжёлые раздумья. живопись приобретает аллегорический, притчевый характер, любимой темой становится гроза. Так появляются его главные картины 1970‑х годов: «Сполох над Окой», «Последняя весна (Виктор Попков)», «Гроза и сполохи», «Гроза над тверскими амбарами» и одно из центральных произведений «грозового цикла» — картина «Пейзаж с расколотым небом», экспонирующаяся на выставке. По поводу своих эмоциональных метаморфоз художник признаётся: «Я хочу показать природу как грозную силу, несущую пожар, уничтожение, сметающую всё. Работая над картиной “Гроза над тверскими амбарами”, вспоминал знаменитую “Грозу над Толедо” Эль Греко. Но моя “тверская гроза” — это трагедия нашего времени, нашей действительности». Эти размышления стали эмоциональным лейтмотивом и образа в картине «Пейзаж с расколотым небом».
Значение «грозовых» настроений в творчестве Тутунова трудно переоценить: именно они привели художника в конце 1980‑х годов к религиозным сюжетам, в начале 1990‑х — к картинам «Воспоминания о терновом венце» и «Невидимые миру слёзы», в конце 1990‑х — начале 2000‑х — вновь к пейзажу.
(Продолжение следует)